100 najlepszych brytyjskich filmów

„Brytyjczycy nadchodzą”, trąbił Rydwany ognia scenarzysta Colin Welland niesławny podczas rozdania Oskarów w 1982 roku. W rzeczywistości „Brytyjczycy” już tam byli. Robili filmy od ponad wieku, z mnóstwem przyklejonych arcydzieł w tej liczbie. Komedie, dramaty, filmy wojenne, horrory... Brytyjscy filmowcy udowodnili, że potrafią zmierzyć się z każdym gatunkiem, a najlepszymi brytyjskimi filmami na świecie może być cokolwiek, porównując najlepsze brytyjskie filmy z innymi filmami na świecie.

Od Hitchcocka przez Lean, Powella i Pressburgera po Loacha i Boyle'a — 100 najlepszych brytyjskich filmów Apergo świętuje najlepsze z nich. Oto lista...

100. 45 lat (2015)

W reżyserii : Andrzej Haigh

W roli głównej : Charlotte Rampling, Tom Courtenay

Dwaj giganci brytyjskiego aktorstwa ekranowego, zaskakująco współpracując po raz pierwszy, robią w tym palny podwójny akt Zestaw dwuręczny z Norfolk . Charlotte Rampling zdobyła swoją pierwszą nominację do Oscara jako Kate Mercer, połowa długo małżeńskiej pary, która zbliża się do kluczowego kamienia milowego. Druga połowa, mąż Geoff ( Tom Courtenay ), ma dawno ukryte szkielety w szafie – lub w tym przypadku na strychu – które nieświadomie odkrywa w tym kluczowym momencie. Sygnały wywołujące napięcia, udręczone poszukiwania duszy i portret jesiennych wyzwań małżeństwa, który reżyser Andrew Haigh traktuje z wielką subtelnością i wrażliwością.

99. Akta Ipcressa (1965)

W reżyserii : Sidney J. Furie

W roli głównej : Michael Caine, Gordon Jackson, Nigel Green, Guy Doleman, Sue Lloyd

Ponieważ po prostu nie było możliwe konkurowanie z agentem 007 Connery'ego w stawkach superszpiegów w latach 60., pierwsza adaptacja powieści z okresu zimnej wojny Sidneya J. Furie'ego, która została kucharzem, autorem Len Deightona, idzie w drugą stronę. Badając porwanych naukowców, niezdyscyplinowany inwigilator Harry Palmer nie porusza się po świecie, nie skacze po łóżkach ani nie wymienia słów z gładzącymi koty megalomańskimi złoczyńcami; spędza czas na przyziemnych zadaniach wypełniania formularzy w ponurych biurach. Pomimo tego, że pochodzi z kreatywnego zespołu Bondiana (supremo Harry Saltzman, projektant Ken Adams, montażysta Peter Hunt, strzelec John Barry), ten labiryntowy thriller zapewnia wiarygodną alternatywę dla Bonda dla każdego, a jednocześnie obejmuje brytyjską codzienność. Jest też przyzwoite wsparcie (zwłaszcza Gordona Jacksona), ale przygody są warte obejrzenia dla (prawdopodobnie) najbardziej kultowej roli Michaela Caine'a, gdzie jego wyjątkowa marka cockney cool naprawdę zaczęła świecić.

98. Och! Co za urocza wojna (1969)

W reżyserii : Richard Attenborough

W roli głównej : Dirk Bogarde, John Mills, Vanessa Redgrave, Michael Redgrave, Maggie Smith, Laurence Olivier, Paul Shelley

Musical Richarda Attenborough o Wielkiej Wojnie, w którym występuje tyle Redgraves, by zaludnić małą wyspę, jest jedną z najgrubszych książek o kontaktach w historii brytyjskiego kina. Reżyser zebrał śmietankę aktorskiego talentu lat 60., ubrał go w khaki i postawił na wyjątkowo brytyjską satyrę. Czasami gra się jak najbardziej zagadkowa gra I-szpiegów w historii. Generał stojący za tymi krzaczastymi wąsami? Oczywiście Laurence Olivier. To chanteuse rekrutacji? Maggie Smith. A czy ci Dirk Bogarde, John Mills i Vanessa Redgrave nie robią swojego wkładu w wysiłek wojenny? Oh! What A Luvvie War mógłby być lepszym tytułem. Ale pomijając sławę, składa się to na oskarżenie o niezmierzone cierpienie wojny, które jest zarówno zjadliwe, jak i głęboko poruszające. Jeśli podejście chronologiczne nadaje mu czasami epizodyczną jakość, Attenborough tworzy choreografię z takim talentem i współczuciem, że wydaje się, że jest to najbardziej olśniewająca lekcja historii na świecie. Wypełniony głupkowatymi melodiami z okopów i szczycący się jednym z najbardziej rozdzierających serce ujęć w kinie, to niedoceniony epos.

97. 24-godzinna impreza (2002)

W reżyserii : Michael Winterbottom

W roli głównej : Steve Coogan, Paddy Considine, Shirley Henderson

Pozornie film o muzycznej scenie Manchesteru w latach '76-'92, Imprezowicze 24 godziny spędza więcej czasu na wyśmiewaniu swojego głównego bohatera i narratora, właściciela wytwórni płytowej Tony'ego Wilsona (w tej roli Steve Coogan ), niż opowiadanie historii Joy Division, New Order i Happy Mondays, z których wszystkie przeszły przez jego orbitę. Ale kiedy toczysz się po podłodze, śmiejąc się, gdy Tony wpada na drzewo podczas jazdy na lotni lub zostaje złapany przez żonę na tylnym siedzeniu „nosh van”, dostając „doustnych przyjemności” od nieznajomego, naprawdę nie masz nic przeciwko jak bardzo popkultura lat 90. ożywa – lub czy to, co jest pokazywane na ekranie, faktycznie wydarzyło się w pierwszej kolejności. Zręcznie wyreżyserowany przez Zimowe Dno , 24HP (jak nikt nigdy tego nie nazywa) jest o wiele, o wiele śmieszniejszy, niż ktokolwiek mógłby się spodziewać po biografii. Jeśli możesz to nazwać biografią. Albo w ogóle czegokolwiek od tego oczekiwać, naprawdę...

96. Nil przez usta (1997)

W reżyserii : Gary Oldman

W roli głównej : Ray Winstone, Kathy Burke, Jamie Foreman, Charlie Creed-Miles

Wszyscy to wiemy Gary Oldman jest aktorem – swoją reputację ugruntował ponad wszelką wątpliwość przez ostatnie trzy dekady – ale ten (jak dotąd) jedyny wysiłek jako autor pokazuje, że jest także reżyserem aktorskim. Niepokojąco szczere i niezachwiane spojrzenie na praktykę i skutki przemocy domowej dało Ray Winstone zdumiewająca szansa, by zabłysnąć i uczynić go zarówno twardym, jak i aktorem zdolnym do wielkiej subtelności i zasięgu, nawet jeśli gra kogoś, kto nie jest zdolny do żadnego z nich. Ale nie mniej zdolna jest Kathy Burke, wcześniej najbardziej znana z komedii telewizyjnych, która daje trójwymiarową kreację w roli, która mogłaby być prostą „ofiarą”. Nie jest to wysiłek poprawiający samopoczucie – wręcz przeciwnie – ale na wpół autobiograficzny egzorcyzm demonów z wychowania w południowym Londynie Oldmana, który pokazuje stronę życia, którą wszyscy wolelibyśmy ignorować. Niewiele debiutów jest tak potężnych i zapadających w pamięć.

95. Dziewczyna Grzegorza (1981)

W reżyserii : Bill Forsyth

W roli głównej : John Gordon Sinclair, Dee Hepburn, Jake D'Arcy, Claire Grogan

Istnieje wiele komedii dla nastolatków i komedii erotycznych dla nastolatków. Żaden jednak nie zbliżył się do Dziewczyna Grzegorza , opowieść o płonącej miłości i pożądaniu w całej swojej nastoletniej intensywności, która zarządza zarówno realizmem, jak i niewypowiedzianą wesołością, nie zapominając przy tym sympatyzować z bohaterami. John Gordon Sinclair jest młodzieńcem, który uwielbiony jest z uwielbienia dla wspaniałej, grającej w piłkę nożną Dorothy (Dee Hepburn), podczas gdy Grogan gra Susan, przyjaciółkę Dorothy i o wiele lepszy zakład dla niezręcznego Romea. To znajoma konfiguracja, ale prawie nigdy nie była tak pięknie obserwowana i inteligentnie napisana jak tutaj, za co zasługuje Bill Forsyth. W końcu randki, które wiążą się z bezcelowymi spacerami i wizytami w sklepie z frytkami, zabrzmią trochę bardziej realistycznie niż niekończąca się parada studniówek, imprez na plaży i wydarzeń sportowych w amerykańskim kinie. Zobacz to jako element towarzyszący reżyserowi Miejscowy bohater i przygotuj się na jedne z najbardziej przekonujących śmiechów z prawdziwego życia, jakie kiedykolwiek zobaczysz na filmie.

94. Szpieg Żołnierz-Tinker Krawiec (2011)

W reżyserii : Thomas Alfredson

W roli głównej : Gary Oldman, Colin Firth, John Hurt, Ciaran Hinds, Mark Strong, Tom Hardy

Elegancka i wyważona fabuła zapewnia thrillerowi Tomasa Alfredsona o zimnej wojnie miejsce na liście. Prowadzone przez Gary Oldman przypięty George Smiley („To rola siedząca”, jak to opisuje), to staromodne poszukiwanie kreta wśród czołowych szpiegów „Cyrku”, co utrudnia fakt, że jest oficjalnie na emeryturze. Podejrzanymi są oczywiście jedni z najlepszych aktorów Blighty'ego, od Colina Firtha po Toby'ego Jonesa i Ciarana Hindsa, podczas gdy w grę wchodzą Mark Strong, Benedict Cumberbatch i Tom Hardy, więc nie będą łatwe do odczytania. . Mając tę ​​grupę w szczytowej formie, Alfredson mógł zostać wybaczony, że po prostu skierował na nich kamerę i się poddał, ale w rzeczywistości tworzy ponury, wyraźnie Londyn z lat 70. w przytłumionych tonach i przyćmionych cieniach, i nadaje całości niewątpliwy połysk jakość.

93. Brazylia (1985)

W reżyserii : Terry Gilliam

W roli głównej : Jonathan Pryce, Kim Greist, Robert De Niro, Michael Palin, Ian Holm, Bob Hoskins

Jest w tym okrutna ironia, że Terry Gilliam Hymn do nonkonformizmu wywołał ogromną presję w studiu, aby dostosować się do oczekiwań publiczności. W szczególności, grande fromage Universalu, Sid Sheinberg, uważał, że jego zakończenie jest zbyt ponure i potrzebuje mniej, no cóż, ponurości. Jako Sid Sheinberg był w stanie przebić się przez swoją niesławną edycję „Miłość zwycięża wszystko”, nieświadomie dostarczając unikalnemu filmowi sci-fi Gilliama postać Wielkiego Brata, której nie pochwalił się na ekranie. Sheinberg miał mniej szczęścia, gdy narzucił filmowi nowy tytuł – sam reżyser przeszukał wiele pomysłów, między innymi nawiązujący do Orwella „1984”, zanim zdecydował się na boczne odniesienie do przedwojennej piosenki „Aquarela do Brasil” – ale pozwolił, by film tak długo gnił na półce, że Gilliam został zredukowany do błagania o jego wydanie w branżowych reklamach prasowych. Po drugiej stronie Atlantyku publiczność rozkoszowała się dystopijną wizją, do której od tamtej pory wspominają wszyscy, od braci Coen po Alexa Proyasa. Tak jak Metropolia z o wiele większą ilością papierkowej roboty, jest to skręcająca melon wizja przyszłej biurokracji, która upadła.

92. Cztery lwy (2010)

W reżyserii : Chris Morris

W roli głównej : Riz Ahmed, Arsher Ali, Nigel Lindsay, Kayvan Novak, Adeel Akhtar, Craig Parkinson

Na papierze komedia o zradykalizowanych brytyjskich muzułmanach, którzy wysadzili się w powietrze podczas londyńskiego maratonu, nie powinna być śmieszna, ale z Chrisem Morrisem na czele nic nie może być brane za pewnik – nawet knebel na temat budowy bomb czy eksplodujących wron. Morris wykonuje niesamowitą sztuczkę, wydobywając komedię z katastrofy z pomocą utalentowanej obsady, Kayvan Novak na pierwszy plan jako szczery Waj z Nigel Lindsay jako irytujący konwertyta Barry. Morris śmieje się z brzucha po brzuchu z postaci, a nie szorstkości, współczucia zamiast pogardy, a wszystko to jednocześnie podkreślając naturę terroryzmu. Za ten niesamowity akt balansowania sam, Cztery Lwy zasługuje na miejsce tam z Życie Briana w kontrowersyjnej komedii sław. Jasne, tego nieco nieuniknionego zakończenia nie można znaleźć w większości podręczników „jak zarabiać-spinning-komedia”, ale w mistrzowskich rękach Morrisa masz zagwarantowane histeryczne napady chichotu, a także cięższe drapanie się po głowie .

91. Pozostałości dnia (1993)

W reżyserii : James Ivory

W roli głównej : Anthony Hopkins, Emma Thompson, Christopher Reeve, James Fox

Musisz ominąć naśladowców i parodii, ponieważ ten klasyczny inspirowany przez kupców kością słoniową legiony obu, ale jeśli możesz, znajdziesz ten wspaniale nakręcony, pięknie stonowany dramat jest wart wysiłku. Zapomnij o Hannibalu Lecterze: to jest Anthony Hopkins ' najlepsze wykonanie przez milę kraju. Jako zapięty na guziki kamerdyner, który traktuje wszystko inne w swoim życiu zgodnie z zasadami, jego kolej jest tak powściągliwa, że ​​równie dobrze mógłby nosić kaftan bezpieczeństwa, ale pod każdym jego nastrojem jest jasne, jeśli zwracasz uwagę, gdy negocjuje faszystowskich sympatyków , amerykańscy nowicjusze i silna gospodyni Emmy Thompson. Powieść Kazuo Ishiguro dostarczyła już elegijnego poczucia melancholii i straconych szans, ale ta adaptacja dodaje piękne efekty wizualne i dopracowany połysk, który podziwiałby nawet Steven Hopkinsa.

90. Drakula (1958)

W reżyserii : Terence Fisher

W roli głównej : Christopher Lee, Peter Cushing, Michael Gough, Melissa Stribling

Podejście Hammera do wielkiego tatusia świata wampirów (zakładając, że wampiry mają ojców) jest seksowniejsze i bardziej krwawe niż jakakolwiek poprzednia adaptacja i większość późniejszych wysiłków. Christopher Lee jest imponującym, ognistym hrabią, który staje przeciwko chłodnemu, mózgowemu Van Helsingowi Petera Cushinga w walce o duszę Miny Harker i innych urodziwych dziewek, które staną mu na drodze. Jest to szybkie opowiadanie historii, zatrzymując się tylko na chwilę tu i tam, gdy Dracula unosi się groźnie nad czyjąś szyją, i ma bogatą partyturę, która utrzymuje krążenie krwi. Makabryczny koniec hrabiego, łuszczenie się ciała i topnienie w słońcu, jest kultowym obrazem horroru i zrobił wiele, aby ustanowić styl Hammera.

89. Dzieci kolei (1970)

W reżyserii : Lionel Jeffries

W roli głównej : Jenny Agutter, Sally Thomsett, Gary Warren, Bernard Cribbens, Dinah Sheridan

Opowieść E. Nesbita to klasyka dla dzieci, a to jest ostateczna wersja filmowa. Rodzina zostaje pogrążona w ubóstwie i zmuszona do przeprowadzki na wieś, gdy ojciec zostaje oskarżony o zdradę, ale pomiędzy zabawą na torach kolejowych (Dzieci: nie próbuj tego w domu) a różnymi aktami drobnego bohaterstwa, przyzwyczajają się do ich nowe życie. Zdobycie krnąbrnego mistrza stacji Bernarda Cribbinsa i zaprzyjaźnienie się z nieznajomymi w pociągach okazuje się w końcu własną nagrodą, prowadząc do szczęśliwego zakończenia, które wciąż wywołuje łzy w oku. Poważnie, jeśli nie poprawisz się trochę, gdy Jenny Agutter, patrząc przez parę, dostrzega swojego ojca i krzyczy: „Tato, o mój tatusiu”, możemy tylko założyć, że to dlatego, że chirurgicznie usunięto ci kanaliki łzowe.

88. Gandhi (1982)

W reżyserii : Richard Attenborough

W roli głównej : Ben Kingsley, John Gielgud, Trevor Howard, John Mills, Martin Sheen

Jest epicki, naprawdę epicki, a potem jest Gandhi . Jak przystało na jedną z najważniejszych postaci XX wieku, a na pewno jedną z najbardziej godnych podziwu wśród nich, Richard Attenborough zbliżył się do tej biografii, zdecydowany oddać sprawiedliwość zarówno wzniosłym ideałom Mahatmy, jak i samej skali jego osiągnięć. Tak więc gwiazda Ben Kingsley może ożywić Gandhiego w ciągu 55 lat, zaczynając od najwcześniejszych przebłysków jego sumienia politycznego, po jego ostateczne zabójstwo, w otoczeniu najlepszych aktorów, jakie kiedykolwiek pojawiły się na scenie lub ekranie. Po drodze Gandhi przyniósł niepodległość Indiom, zapoczątkował pokojowe protesty na masową skalę i zapewnił nowy punkt odniesienia dla idealistów na całym świecie. Gra Kingsleya jest niezwykła, ale wspierają go rozległe zdjęcia Attenborough i ogromna ambicja – na scenie pogrzebowej są setki tysięcy statystów, przyćmiewających nawet armie Isengardu pod względem skali. To szalony benchmark, który w dzisiejszych cyfrowych czasach nigdy nie będzie zagrożony, ale trudno wymyślić bardziej wartościowy temat.

87. Nadzieja i chwała (1987)

W reżyserii : John Boorman

W roli głównej : Sarah Miles, David Hayman, Sebastian Rice-Edwards, Ian Bannen

Pięć nominacji do Oscara to hołd złożony niebywale brytyjskiemu filmowi o Blitzu, który znalazł docenianą publiczność po obu stronach Atlantyku. Widziany oczami dziesięcioletniego Billy'ego (Sebastian Rice-Edwards), autobiograficzny film Johna Boormana zamienia zbombardowane przedmieścia Londynu w gigantyczny plac zabaw dla uczniów. Ciekawy – i tęskny – utwór towarzyszący Stevenowi Spielbergowi Apergo Słońca , nakręcony tuż obok, prawie w tym samym czasie, jest pełen wizualnych migawek z niezwykłej przeszłości Anglii, albumu zdjęć w sepii przywróconego do życia. Jest też pełen zaskakujących wizualnych wskazówek. Zobacz nagły wybuch bomby Luftwaffe w przerażającym zwolnionym tempie lub martwą rybę, którą Billy i jego siostra mogą zebrać po tym, jak zbuntowana bomba wyląduje w rzece. Jednak przypadkowość skutków wojny najlepiej oddaje odkrycie, że kolejne nieuczciwe bomby oznaczają koniec szkoły – na stałe. „Dziękuję Adolfie!” radośnie krzyczeć Billy i jego kumple. Widzisz, wojna nie zawsze jest piekłem, zwłaszcza gdy wyciąga cię z podwójnej matematyki.

86. Pola śmierci (1984)

W reżyserii : Roland Joffé

W roli głównej : Sam Waterston, Haing S. Ngor, John Malkovich, Julian Sands

Nagrodzony Oscarem film o historii nagrodzonej Pulitzerem film wojenny Rolanda Joffé jest oszałamiającym, trzeźwym badaniem ludzkiej katastrofy o ledwie zrozumiałej skali. Wynika New York Times dziennikarz Sydney Schanberg (Waterston) i jego tłumacz Dith Pran (nagrodzony Oscarem Ngor) przez ostry koniec amerykańskiej inwazji na Kambodżę. Przynajmniej częściowo dzięki jego filmowi, wszyscy wiedzą, co wydarzyło się później. Pol Pot i Czerwoni Khmerzy wyszli z dymu i zamienili jeden z najpiękniejszych krajów na Ziemi w cmentarzysko. Joffé nie oszczędza nam tej ponurości. Po drodze Kurtz Brando mógł szemrać o „horrorze”, ale oto było, z bliska i brutalnie bezosobowe. Schanberg mógł zdobyć tego Pulitzera za reportaż, ale nieustraszona dziennikarstwo Haing Ngora jest bijącym sercem opowieści – i filmu. W tragicznej kodzie człowiek, który go grał, pierwszy aktor Haing Ngor, został zastrzelony na ulicy Los Angeles 22 lata później.

85. Billy kłamca (1963)

W reżyserii : John Schlesinger

W roli głównej : Tom Courtenay, Julie Christie, Wilfred Pickles

Zanim przeszedł przez staw i zrobił Północny kowboj oraz Maratończyk , John Schlesinger przewodniczył jednej z największych serii przebojów w brytyjskim kinie. Po czterech beztroskich latach on i jego producent Joseph Janni okazali się Billy kłamca , Kochanie oraz Daleko od szalonego tłumu . Pierwszy z nich pozostaje wpływowy do dziś, przypominający Waltera Mitty chłopaka z małego miasteczka Toma Courtenay'a z wielkimi planami, prototyp dla tysiąca brytyjskich marzycieli. Ricky Gervais cytuje Billy kłamca jako inspiracja dla Cmentarz Węzeł to znudzeni dwudziestoparolatkowie, ale dziwaczna drugoplanowa obsada pstrokatych Brytyjczyków, od posępnego przedsiębiorcy pogrzebowego Leonarda Rossitera po rzucającą frazesami osobowość telewizyjną Lesliego Randalla („To się dzieje”), są również budulcem dla wspaniałych sitcomów Gervaisa. Billy jest jednak tour de force Schlesingera, a reżyser narysował najlepszą rolę Courtenay jako uroczego romantyka, który akurat trafia z karabinem maszynowym każdemu, kto pokrzyżuje jego plany (oczywiście w jego snach). Zabawny i melancholijny, to przejmujący hymn dla załamanych marzycieli.

84. Hamlet (1948)

W reżyserii : Laurence Olivier

W roli głównej : Laurence Olivier, Peter Cushing, Jean Simmons, Basil Sydney

W konfrontacji z praktykami pracy słynnej metody Dustina Hoffmana on Maratończyk Sir Laurence Olivier podobno wycedził: „Spróbuj grać, drogi chłopcze, tak jest łatwiej”. Łatwo mu to powiedzieć; w końcu był wychwalany niemal od czasów szkolnych jako największy z brytyjskich tezów, a odlany z brązu pomnik jego Hamleta stoi do dziś przed Teatrem Narodowym. Ten celuloidowy zapis jego Hamleta daje nam pewne wyobrażenie, dlaczego: wyreżyserowany przez samego Oliviera (był także wczesnym wieloznacznikiem) u szczytu jego mocy i urody, wciąż jest to fascynujący portret Duńczyka, jakkolwiek daleko idące style aktorskie mają zmienił się od tego czasu. Podczas gdy Kenneth Branagha Mała wioska jest bogatszy w sceny plenerowe i plenerowe, poza wciąż wciągającą mocą samej historii, jest tak wiele dekoracji, a Olivier przoduje.

83. Spadek nieba (2012)

W reżyserii : Sam Mendes

W roli głównej : Daniel Craig, Javier Bardem, Ralph Fiennes, Naomie Harris, Ben Whishaw

Później Odrobina pocieszenia , Sam Mendes Debiut 007 wydaje się być ponownym uruchomieniem dla Daniel Craig era. Wyszedł tajemniczy Quantum i jego przebiegły plan zrobienia czegoś w Boliwii; wszedł łuk i zmotywowany Silva ( Javier Bardem ), aby dodać tak potrzebną dawkę teatralności i zagrożenia dla serii. Craig wydaje się na nowo naenergetyzowany, oświetlony neonami w jednej wirtuozowskiej sekwencji szanghajskiej i miesza wytworność ze śmiercionośnym, gdy historia toczy się od jednego czułego hołdu Bonda do drugiego. Żadne z ukłonów nie wydaje się niezgrabne, co świadczy o lekkości dotyku Mendesa, a zakończenie pozostawiło najlepiej wyglądający brytyjski statek.

82. Pani znika (1938)

W reżyserii : Alfreda Hitchcocka

W roli głównej : Margaret Lockwood, Michael Redgrave, Basil Radford, May Whitty, Naunton Wayne

Wiele mówi o thrillerach Hitchcocka, że ​​mają one zwyczaj powracać we współczesnych wątkach. Tylnej szyby stał się Niepokoje , Wybierz M jak morderstwo zmienił się w Morderstwo doskonałe , a ten thriller gorączkowo szukał Jodie Foster Plan lotu samolot pasażerski dla jej zaginionej córki. Wszystkie trzy są poręcznym przypomnieniem, że nikt nie robi Hitchcocka jak on sam: ponadczasowe postacie i diabelskie intrygi są po prostu niezrównane. Na pokład jego pociągu thrillera wchodzą muzykolog ludowy Gilbert (Redgrave) i jego nowa towarzyszka Iris (Lockwood), inteligentna kobieta wracająca do domu, by poślubić swojego „niebieskokrwistego łowca czeków”, którzy znajdują się w pułapce wśród agentów, którzy lubią wyzwalać. Kiedy kapryśna guwernantka, panna Froy (Whitty) w tajemniczy sposób znika z wagonu restauracyjnego, błyszcząca para nabiera amatorskiego detektywa, aby ją wytropić. Nawet z pomocą zafascynowanych krykietami Basila Rathbone'a i Nauntona Wayne'a ich podróż przez fikcyjną krainę Bandrika staje się coraz bardziej niebezpieczna z każdym przejechanym kilometrem. To tyle zabawy, ile można mieć w pociągu, chociaż jeśli zauważysz kameę Hitcha, masz ostrzejsze oczy niż my.

81. Paddington (2014)

W reżyserii : Paweł Król

W roli głównej : Ben Whishaw (głos), Nicole Kidman, Hugh Bonneville, Sally Hawkins, Julie Walters

Wielki uścisk filmu, Paddington oczarował publiczność i krytyków jedną z najmilszych niespodzianek 2014 roku, wpisując się w kanon ulubionych filmów bożonarodzeniowych i udowadniając, że niedźwiedzie są nie tylko dla filmów dokumentalnych Wernera Herzoga i drapieżnego Leonarda DiCaprio. Paweł Król (reżyser/współscenarzysta), Ben Whishaw (głos) i Framestore (efekty wizualne) połączyli swoje talenty, aby stworzyć zabawną, wzruszającą sprawę dla milszej, bardziej tolerancyjnej Wielkiej Brytanii. Po Brexicie wydaje się to bardziej cudownym snem. Uważaj na Paddingtona walczącego z Nigelem Faragem w Paddington 2: Mroczne Terytorium.

80. Do widzenia, panie Chips (1939)

W reżyserii : Sam Wood

W roli głównej : Robert Donat, Greer Garson, Terry Kilburn, John Mills, Paul Henreid

Jeśli znasz nauczyciela, który właśnie miał zły dzień, załóż to, aby przypomnieć mu o znaczeniu tego, co robi. Głęboko poruszające, ale na szczęście pozbawione sentymentów spojrzenie na karierę jednego nauczyciela na przestrzeni 50 lat, to kronika jego trudnych wczesnych lat, zmian spowodowanych przybyciem żony i głębokich blizn – zarówno osobistych, jak i zawodowych – które pojawiły się po drodze. Z jednej strony do szkoły powracają kolejne pokolenia jednej rodziny, z drugiej zaś nabożeństwa ku pamięci zmarłych z kilku konfliktów, których kulminacją były zniszczenia I wojny światowej. zmieniający się świat, a także życie jednego człowieka i służy jako hołd dla zwykłej, codziennej wielkości.

79. Przemówienie króla (2010)

W reżyserii : Toma Hoopera

W roli głównej : Colin Firth, Geoffrey Rush, Helena Bonham Carter, Timothy Spall

Film o jąkającym się posho nie jest najbardziej oczywistym tłumem w historii kina, nawet z cudownym reżyserem i najbardziej lubianą gwiazdą po tej stronie Toma Hanksa. A jednak jakoś tak jest trzymające w napięciu, trzymające w napięciu kino , rodzaj Skalisty dla niefizycznego rywala i słabszej historii, która wywołałaby kamienną radość. Colin Firth gra Bertie, księcia lat 30. i przyszłego Jerzego VI, dotkniętego straszliwą wadą mowy, która paraliżuje jego wysiłki w publicznych wystąpieniach; Helena Bonham Carter jest jego nieskończenie wspierającą żoną i Geoffrey Rush jego ekscentryczny logopeda. Jest gadatliwy, w dużej mierze jest osadzony w londyńskiej piwnicy z łuszczącymi się ścianami i skrzypiącymi podłogami, i jest na skraju siedzenia, gdy Bertie stara się wydobyć słowo i mierzy się zarówno z tronem, jak i wybuchem wojny z mniejszym niepokojem niż popisuje się przed mikrofonem lub małą publicznością. Mieszane rzeczy, bez względu na to, co myślisz o monarchii.

78. Henryk V (1989)

W reżyserii : Kenneth Branagh

W roli głównej : Kenneth Branagh, Derek Jacobi, Brian Błogosławiony, Emma Thompson

To może nie być „muzą ognia”, dla której narrator Szekspira chciał opowiedzieć historię Henryk V , ale jest bliższa niż jakakolwiek inna adaptacja do zilustrowania skali i zakresu jego wojen przeciwko Francuzom, i daje nawet wcześniejszy złoty standard wersji Laurence'a Oliviera w wyścigu o pieniądze w stawkach postaci. Szekspirowski wunderkind Branagh wszedł w ślady Oliviera w swoim reżyserskim debiucie, reżyserując samego siebie, gdy młody król wszczął wojnę we Francji i stawił czoła przytłaczającym przeciwnościom. Te bitwy są krwawe, błotniste i odrażające, wykorzystując w pełni rozmach i lokacje kina i dalekie od często suchych adaptacji, które wcześniej były regułą. Sama liczba luminarzy w obsadzie prawie rozprasza (nawet Christian Bale jest tam gdzieś schowany), ale jeśli nie czujesz poruszenia podczas przemówienia w dniu św. Kryspina, jesteś albo martwy w środku, albo Francuz.

77. Harry Potter i Insygnia Śmierci: część druga (2011)

W reżyserii : David Yates

W roli głównej : Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Ralph Fiennes

Drugi najnowszy film na liście, ten ma miejsce na robienie niemożliwego: nie wychodzenie z jękiem. Oczekiwania związane z tą ósmą częścią serialu były tak wysokie, że wybaczyłbyś reżyserowi Davidowi Yatesowi, że zamknął się w biurze Dumbledore'a i odmówił wyjścia, dopóki nie było po wszystkim, ale zamiast tego okazał się pełnym akcji i postaci. , czasem brutalny finał przygód chłopca-czarodzieja. Wreszcie jest totalna magiczna wojna, którą serial zawsze omijał; wreszcie jest rozwiązanie zagadki Harry'ego i Voldemorta. Jeśli nic więcej, musisz podziwiać hucpa serialu, który nie tylko potrzebuje czasu na metafizyczny wypad w środku wielkiej finałowej bitwy, ale także robi coś nie do pomyślenia i pozwala złemu odnieść zwycięstwo na drodze.

76. Nagi (1993)

W reżyserii : Mike Leigh

W roli głównej : David Thewlis, Lesley Sharp, Katrin Cartlidge, Ewen Bremmer

Naga reprezentowała zmianę w twórczości Mike'a Leigh z przenikliwych studiów nad przyziemnością w domu w coś znacznie bardziej ostrego. David Thewlis to Johnny, nadmiernie wykształcony, bezrobotny włóczęga, który przyjeżdża do Londynu uciekając przed atakiem seksualnym w Manchesterze i mieszka z byłą dziewczyną (Lesley Sharp), sypia z jej współlokatorką (Katrin Cartlidge) i ogólnie opowiada każdemu swój zgryźliwy światopogląd kto słucha. Naked widzi, jak Leigh zmaga się nie tylko z inną subkulturą – podziemnym Londynem – ale także z kinem, kinematografią Dicka Pope'a pełną ujęć śledzących i ciekawych strategii oświetleniowych, które wydawały się nowe w twórczości Leigh. To, co nie dziwi, to siła w głębi występów: Thewlis jest świetny jako Johnny – zgorzkniały, elokwentny, głęboko nieprzyjemny, zawsze przekonujący. Jeśli widziałeś go tylko w Harry Potter , popraw to teraz.

75. Zamek, zapas i dwie beczki do palenia (1998)

W reżyserii : Guy Ritchie

W roli głównej : Jason Flemyng, Dexter Fletcher, Nick Moran, Jason Statham

Toczy się odwieczna debata w pubie, która stawia pytanie: co jest lepsze, Urywek lub Zablokuj zapas ? Urywek apologeci mówią o dobrej grze, ale poprawną odpowiedzią jest oczywiście Guy Ritchie Oszałamiający debiut. W końcu jest to film, który przyniósł światu „Stath”, Vinnie Jones walącego komuś czaszkę drzwiami samochodu i świadomość, że duże fioletowe dildo może być używane jako broń ofensywna. Zasadniczo najwspanialsza z kudłatych opowieści o psach – nazywanie fabuły „złożoną” to wyrządzanie jej krzywdy – wszystko jest tak zręcznie zrobione, dostarczone z taką pewnością siebie i napisane z tak niesamowitym zwrotem zdania, że ​​w jakiś sposób zawiłe… ing-and-froing działa jak w zegarku. Tak dobrze, że ponad 18 lat później pozostaje najlepszym filmem Ritchiego, fantastycznym osiągnięciem reżysera po raz pierwszy, który wziął grupę skrupulatnie obsadzonych, ale stosunkowo nieznanych aktorów i obrócił ich w solidne złoto.

74. Zagrał (2013)

W reżyserii : David Mackenzie

W roli głównej : Jack O'Connell, Ben Mendelsohn, Rupert Friend

Pęcherzowa wizytówka zarówno dla swojej gwiazdy, Jack O'Connell i reżyser, David Mackenzie, inny z Oznaczone gwiazdką MVP 's to zapowiadana postać. Terapeuta, który został scenarzystą Jonathan Asser, przekazuje swoje własne doświadczenie w pracy nad rehabilitacją więźniów w brutalny, posiniaczony i przede wszystkim realistyczny obraz życia w środku. O'Connell wnosi skupienie i okrucieństwo wiązki laserowej do roli niekontrolowanego młodego przestępcy, którego trzeba było „zagrać” w więzieniu dla dorosłych. To zarozumiały, charyzmatyczny zwrot, który przywodzi na myśl Finneya, Burtona i Courtenay oraz okres rozkwitu brytyjskiej nowej fali.

73. Pokuta (2007)

W reżyserii : Joe Wright

W roli głównej : James McAvoy, Keira Knightley, Saoirse Ronan, Romola Garai, Vanessa Redgrave

Pokuta powinno być jak każdy brytyjski banał filmowy w jednym: jest trochę w wiejskim domu, trochę w czasie II wojny światowej, a trochę w kuchennym zlewie. I jeszcze Joe Wright Adaptacja powieści Iana McEwana wydaje się odrębna i całkowicie osobna. Częściowo jest to spowodowane świetnymi występami i pokręconą, niezbyt liniową strukturą, a częściowo dzięki brawurowemu opowiadaniu historii ze strony Joe Wrighta – zobacz druzgocący strzał Steadicam Dunkierka lub zwięzłą konfrontację między dorosłą Briony (Ronan / Garai / Redgrave ) oraz para, którą skrzywdziła (McAvoy i Knightley). Początkowy błąd, zrodzony z młodzieńczej głupoty i zarozumiałości, wymyka się spod kontroli, wkracza w dorosłość i przyćmiewa wiele żyć. Ostateczne objawienie jego konsekwencji jest druzgocące, bez względu na to, jak nieuniknione jest.

72. Mężczyzna w białym garniturze (1951)

W reżyserii : Aleksander Mackendrick

W roli głównej : Alec Guinness, Joan Greenwood, Cecil Parker, Michael Gough

Alexander Mackendrick zasługuje na to, by zapamiętać go bardziej niż jeden z tytanów brytyjskiego filmu, biorąc pod uwagę, że jest odpowiedzialny za takie klasyki jak Bogactwo whisky! , Ladykillers oraz ta gryząca satyra . Alec Guinness gra idealistycznego młodego chemika, który wymyśla rewolucyjną tkaninę, która nigdy się nie zużywa ani nie wymaga prania - tylko po to, by dowiedzieć się, że zarówno przemysłowcy, jak i robotnicy są zjednoczeni przeciwko jego cudownej tkaninie, przerażeni, że zniszczy to gospodarkę i wyrzuci ich wszystkich z interesu . Jeśli nie tak okrutne, jak wielki amerykański wysiłek Mackendricka, Słodki zapach sukcesu , jest to wciąż bardzo cyniczny obraz szans na prawdziwą innowację w naszym niedoskonałym świecie i wydaje się tak samo aktualny jak 60 lat temu, jeśli nie bardziej (zob. Kto zabił samochód elektryczny? dla aplikacji w świecie rzeczywistym). To komedia – mniej więcej – ale pozwoli ci się zastanowić na długo po pojawieniu się napisów końcowych.

71. Kontrola (2007)

W reżyserii : Anton Corbijn

W roli głównej : Sam Riley, Toby Kebbell, Samantha Morton, Alexandra Maria Lara

Świeża twarz Sam Riley zajął swoje miejsce w panteonie ekranowych gwiazd rocka dzięki przedstawieniu frontmana Joy Division, Iana Curtisa. Mówimy, że jest więcej niż muzycznym odpowiednikiem Iana Dury'ego Andy'ego Serkisa, Sid Vicious Gary'ego Oldmana czy Jima Morrisona Val Kilmera - nawet jeśli jego spodnie nie są aż tak obcisłe. Cała roztrzęsiona energia i charyzma na scenie, postpunkowa gwiazda Rileya to niespokojna dusza, która szarpie się z uniesienia do rozpaczy. Wiemy, co pochodzi z pierwszego bębna, ale doświadczyliśmy oczami Debbie Curtis ( Samantha Morton ), jego samobójstwo wciąż jest jak cios w brzuch. Jeśli muzyka Joy Division nie zrobi tego za ciebie – i Riley i spółka. powtarzać swoje najwspanialsze momenty z większym rozmachem, niż mamy prawo oczekiwać od nie-muzyków – jest Anton Corbijn za oszałamiającą czarno-białą fotografię do docenienia i Toby Kebbell zabawny Rob Gretton. Szczerze mówiąc, jeśli to ci nie wystarczy, jesteś kutasem dużego psa.

70. Casino Royale (2006)

W reżyserii : Martina Campbella

W roli głównej : Daniel Craig, Eva Green, Mads Mikkelsen, Judi Dench

to nie było Pierce Brosnan to wina, że ​​seria Bonda osiadła na mieliźnie, ale równie dobrze nie można winić Daniel Craig że niektórzy fanatycy agenta 007 nie mogli zobaczyć, jak odzwierciedla uprzejmy urok Brosnana, ironiczny humor Moore'a czy umiejętność Seana Connery'ego do wyglądania bardzo seksownie, nawet w spodniach taty i przyłbicy do golfa. Całe farrago Craig-not-Bond było przypomnieniem, że na początku lat 60. nawet Connery nie był dla wszystkich pierwszym wyborem. Wydawało się, że to zadziałało w porządku, więc zdecydowanie tak się stało. Jasne, prawdopodobnie poświęcilibyśmy całe to lokowanie produktu przed gadżetem-fioletem, Q, i trochę przegapiliśmy głupie kwestie dotyczące pocałunków, ale powrót Bonda spełnił wszystkie rozsądne oczekiwania, a następnie przeleciał obok nich. Od Craiga pierwszy 00-wygląd , przypominający Bourne'a retrospekcję, wystarczająco okrutną, by przygwoździć kinomanów z powrotem na swoje miejsca, każdy cios w głowę, położenie i krok w kąpielówkach wydawał się misją dla odrodzonej serii. 'Jak umarł, twój kontakt?' pyta oficera prowadzącego sprawę pierwszego zabójstwa Bonda. „Niedobrze” – rzuca gniewnie 007. Niemal słychać, jak zdalnie sterowany samochód cofa się w pośpiechu do garażu.

69. Powiększanie (1966)

W reżyserii : Michał Anioł Antonioni

W roli głównej : David Hemmings, Vanessa Redgrave, Sarah Miles, John Castle

Jak można się spodziewać po człowieku z tyłu Przygoda oraz notatka , swingujący Londyn Michała Anioła Antonioniego to dość szlachetne miejsce. Całodobowe seksowne szaleństwo w modowym poduszce lucjan Thomasa (Hemmings) może w dzisiejszych czasach wyglądać trochę, no cóż, Austinem Powers-y, ale włoski wielki był śmiertelnie poważny, adaptując opowiadanie Julio Cortázara. Za całym szyfonem i pozowaniem kryje się naprawdę mądra przesłanka, którą Brian De Palma pożyczył później do swojego thrillera Zdmuchnąć (1981). Podobnie jak David Bailey z Hemmingsa, zdaje sobie sprawę, że nieświadomie sfotografował mordercę czającego się na linii drzew opuszczonego parku. Wracając następnego dnia, natyka się na ciało ofiary, ale wkrótce potem znika. Czy lucjan oderwie się od seksownej zabawy na tyle długo, by rozwiązać sprawę i wymierzyć sprawiedliwość zabójcy? Daj spokój, mówimy o Antonionim. Jeśli widziałeś Przygoda , będziesz wiedział, że woli swoje tajemnice nierozwiązane.

68. Senna (2010)

W reżyserii : Asif Kapadia

W roli głównej : Ayrton Senna, Alain Prost, Frank Williams

Daleko od barwionego w wełnie wodza, którego można by się spodziewać, Asif Kapadia wiedza o Formule 1 była dość skąpa, kiedy zabrał się do pracy nad swoim hipnotyzującym studium postaci brazylijskiej supergwiazdy Ayrtona Senny. O charyzmie Senny świadczy to, że wynik nadal emanuje fanboyowym przywiązaniem do tematu. Jak Apergo Recenzja wskazuje, że jego życie i śmierć są opowiedziane w stylu „ambitnie skonstruowanym, głęboko fascynującym i porywającym”. Kapadia nie był tam skończony: powtórzył sztuczkę z Amy Winehouse Amy pięć lat później.

67. W pętli (2009)

W reżyserii : Armando Iannucci

W roli głównej : Tom Hollander, James Gandolfini, Mimi Kennedy, Chris Addison, Peter Capaldi, Gina McKee.

Ostateczny dowód na to, że polityka – a przynajmniej filmy o polityce – może być niezwykle zabawne, W pętli to pełna przekleństw lekcja mistrzowska we współczesnej satyrze politycznej, w której pożegnamy się z New Labour ostatnim filmowym kopnięciem w jaja. Zasadniczo spin-off równie zabawnego sitcomu BBC Gęstość tego , ma wiele takich samych postaci, w szczególności wulgarnego szkockiego spin doktora Petera Capaldiego, Malcolma Tuckera. Wykrzykując jednolinijki, takie jak „Chrystus w bendy-busie. Nie bądź takim pieprzonym dupkiem” i „Dzień dobry, moje małe laski i kutasy”, zdecydowanie jest gwiazdą serialu, ale Chris Addison, James Gandolfini i Steve Coogan też ukradł dobrą scenę. Więc czapki z głów dla scenarzysty / reżysera / chodzącego-gadającego-geniusza-prawdziwego-życia Armando Iannucci za to, że jako pierwszy udowodnił, że spin-offy sitcomów mogą działać w XXI wieku. Jeśli jesteś w nastroju na kolejne sitcomy zamienione w filmy, kieruj się tutaj .

66. Człowiek na drucie (2008)

W reżyserii : James Marsh

W roli głównej : Philippe Petit, Jean Francois Heckel, Jean-Louis Blondeau

To film dokumentalny o wydarzeniu tak fantastycznym, że nie dałoby się go opisać. To film o napadzie bez próby kradzieży. To film o World Trade Center, w którym nie wspomina się nawet o wydarzeniach z 11 września. I jeszcze Mężczyzna na linie nie tylko działa znakomicie, ale także trzyma się jak imadło, opowiadając historię śmiałka Philippe’a Petita i jego wyraźnie niesankcjonowanej misji chodzenia po linie (i tańca, wirowania i siedzenia) na linie rozpiętej 110 pięter między szczytami z 1974 roku. bliźniacze wieże WTC. Miesiące planowania i godziny realizacji, to połączenie współczesnego wideo i częściowej rekonstrukcji daje współczesnym widzom szansę na udział w magicznych i wyraźnie niemożliwych (przynajmniej dla wszystkich racjonalnych ludzi) wyczynach Petita, wciąż nieskończenie energicznej postaci i , musimy założyć, coś w rodzaju maga. I więcej świetnych filmów dokumentalnych znajdziesz na naszej liście najlepszych przykładów na Netflix .

65. Głód (2008)

W reżyserii : Steve McQueen

W roli głównej : Liam Cunningham, Michael Fassbender, Liam McMahon

Podobnie jak Sam Taylor-Wood, Julian Schnabel i, hm, Tony Hart, artysta-reżyser Steve McQueen okazali się parą w obu rodzajach studia. Jego debiutancki film fabularny, surowa medytacja na temat protestów politycznych, w dużej mierze odsunął na bok faktyczną politykę stojącą za strajkiem głodowym Bobby'ego Sandsa (Fassbender) z 1981 r., aby przybliżyć samego człowieka. W żadnym wypadku nie jest to łatwy zegarek. Zdumiewający portret umierającego człowieka z IRA autorstwa Michaela Fassbendera budzi niepokój, podczas gdy więzienie w labiryncie McQueena, zabrudzone odchodami ściany, korytarze wypełnione moczem i wszystko inne, będzie nawiedzać twoje sny. 33lbs Fassbender przegrał za część, a Mechanik -jak zanurzenie się w wychudzenie, przekłada się na spektakl pełen ciężkiej determinacji: słabsze ciało Sandsa staje się tym silniejsze, że jest to dychotomia, którą aktor w pełni eksploruje. Jego 17-minutowa rozmowa z katolickim księdzem Liama ​​Cunninghama oferuje elektryczną centralną scenę uchwyconą w jednym dyskretnym ujęciu przez kamerę McQueena. Okej, Głód prawdopodobnie nie jest filmem, w którym można zadowolić się pizzą, ale jest to niezbędny element nowoczesnej sztuki reżysera, z którego będziemy oglądać o wiele więcej.

64. Mafia z Lawendowego Wzgórza (1951)

*W reżyserii : Charles Crichton

W roli głównej : Alec Guinness, Stanley Holloway, Sid James, Alfie Bass

Kolejny błyszczący klejnot nagrody w już lśniącej koronie Ealing Studios, Mob z Lawendowego Wzgórza jest osobliwie brytyjską, lekko satyryczną komedią wśród ich najlepszych. Wyprodukowany w środku, przez wielu uważanych za szczytowe lata studia (okres powojenny, 1947 - 1955), reżyser Charles Crichton i scenarzysta, który zdobył Oscara, T.E.B. Clark stworzył prawdopodobnie amoralny żart kryminalny, skupiony na potulnym urzędniku bankowym Aleca Guinnessa, który postanawia dokonać genialnego napadu na złoto. Chociaż późniejsze sceny wskazują na prawdopodobnie ciemniejszy kierunek (na przykład pościg za Wieżą Eiffla ma oczywiste odcienie Hitchcocka), jest to lżejsza sprawa niż inne arcydzieła Ealinga, takie jak Dobre serca i korony lub Ladykillers . Obsada śpiewa (nie dosłownie), ale najbardziej satysfakcjonujące momenty należą do Guinnessa; po pierwsze, kiedy zdaje sobie sprawę, że jest szefem tytułowej mafii, a po drugie, kiedy ujmująco przyznaje, że chciałby być nazywany „Holendrem”.

63. Rydwany ognia (1981)

W reżyserii : Hugh Hudson

W roli głównej : Ben Cross, Ian Charleson, Nigel Havers, Cheryl Campbell, Ian Holm

Rydwany ognia jest być może definicją filmu, który odniósł zbyt wielki sukces dla własnego dobra. XXI-wieczni nowicjusze w klasycznym dramacie sportowym Hugh Hudsona muszą przekopać się przez szum szumu wywołanego skokiem z przeszkodami, hasło, które wyłania się jak chmura burzowa (scenarzysta Colin Welland zawsze może żałować krzyku „Brytyjczycy nadchodzą”, gdy odbierze Oscara) i mała armia noszących cylinder, zawsze tak snobistycznych postaci, z których czasami trudno się nie śmiać. Ale jeśli potrafisz to wszystko przejrzeć, poniżej znajduje się piękny film, mówiący o oddaniu i tożsamości, religii i sławie. I to nie wspominając o oszałamiającej, choć teraz nieco banalnej partyturze Vangelisa, arcydziele z ciężkim syntezatorem, które w jakiś sposób idealnie pasuje do scenerii filmu z lat 20. XX wieku. To utwór muzyczny tak wspaniały, że można by go oglądać w Zookeeperze, i nie mówimy tego lekko. W związku ze zbliżającym się wielkimi krokami londyńskimi igrzyskami olimpijskimi, spodziewajcie się, że film powróci do łask w ogniu nie-niedzielnego patriotyzmu i nieco niemelodyjnych gwizdów. Hurra!

62. Sekrety i kłamstwa (1996)

W reżyserii : Mike Leigh

W roli głównej : Brenda Blethyn, Marianne Jean-Baptiste, Timothy Spall, Phyllis Logan

Jak wiele filmów Mike'a Leigh, Sekrety i kłamstwa był tylko luźno napisany, a obsada improwizowała resztę. Centralną ideą jest cała Leigh – w tym przypadku adoptowana czarna kobieta z klasy średniej (Jean-Baptiste jako Hortense Cumberbatch) odkrywa, że ​​jej prawdziwa matka jest biała i pochodzi z klasy robotniczej (Blethyn jako Cynthia Purley), wkładając swoje życie w emocjonalne maelstrom - ale w większości linie są własnością aktorów. To nie powstrzymało Akademii nominowania Leigha za najlepszy scenariusz (a także najlepszego reżysera i najlepszego filmu, oprócz ukłonów dla Jean-Baptiste i Blethyna) – i nie powinno. Niekonwencjonalna technika reżyserska Leigh może nie być sposobem na robienie rzeczy w Hollywood, ale kiedy efekt jest tak wzruszający i zabawny jak Sekrety i kłamstwa , to nie ma większego znaczenia. Jasne, żaden złoty łysy mężczyzna nie trafił w ręce Leigha, ale wiele nagród BAFTA tak, jak również Złota Palma, czyniąc z niego największy krytyczny sukces w jego karierze.

61. Pełen miesiąc (1997)

W reżyserii : Piotr Cattaneo

W roli głównej : Robert Carlyle, Mark Addy, Tom Wilkinson, Paul Barber, Hugo Speer

Cynicy często skarżą się, że brytyjskie kino dzieli się na dwie odrębne kategorie: błyszczące kostiumy i dramaty ponure-oop-north. Tym jednak udaje się zakwasić ponurość (wciąż bardzo obecną w ciągłym cieniu zapaści gospodarczej) poczuciem humoru i cichą determinacją, gdy banda bezrobotnych hutników próbuje zarobić trochę pieniędzy, no cóż, rozbiórki zupełnie naga dla hordy ujadających kobiet. To prawdziwa słaba historia, połączona ze sobą niezwykle sympatycznymi występami, zwłaszcza Carlyle, Addy i Wilkinson, z których wszyscy zostali wysłani do Hollywood po swojej tutejszej kolejce. Warto obejrzeć tylko scenę taneczną w kolejce pocztowej, w której każdy z zespołu po cichu zaczyna przesuwać się w czasie do muzyki, czekając na czeki zasiłkowe.

60. Noc ciężkiego dnia (1964)

W reżyserii : Ryszard Lester

W roli głównej : Paul McCartney, John Lennon, Ringo Starr, George Harrison

To coś więcej niż promocja muzyki. To coś więcej niż próba wypromowania zespołu za pomocą filmu sprzed MTV. To szczera komedia z prawdziwym dowcipem i sercem, a także – nieprzypadkowo – świetnymi melodiami. Dzień z życia Fab Four u szczytu Beatlemania, który upłynął przed ich nieuniknionym upadkiem (tak myśleli dyrektorzy), przeszedł długą drogę do ustalenia popularnego postrzegania każdej z grup, z Lennonem jako mądrym dupkiem, McCartneyem rozsądny, Harrison cichy i Starr klaun. Oprócz oczywistych elementów komiksowych, wiele z tego było prawdą w ich ówczesnym życiu, scenarzysta Alun Owen spędzał z zespołem tygodnie, obserwując ich rzeczywistość, zanim zbudował swój scenariusz. Pewny kierunek Richarda Lestera i bardziej fantastyczne akcenty dopełniły obrazu, zmieniając biografię muzyczną i inspirując wszystko, od filmów szpiegowskich po The Monkees.

59. Podglądacz (1960)

W reżyserii : Michael Powell

W roli głównej : Carl Boehm, Anna Massey, Moira Shearer, Maxine Audley

Mroczna strona Michaela Powella, będąca jedną z połowy największego brytyjskiego podwójnego aktu filmowego, pojawiła się, gdy jego stary kumpel Emeric Pressburger nie był w pobliżu. Powell sam uderzył w tym wstrząsającym thrillerze o twórca filmów seryjnych morderców (Boehm), który morduje swoich poddanych ostrzem ukrytym w statywie. Publiczność i krytycy go nienawidzili, a kontrowersje wokół jego wydania były tak ostre, że praktycznie zakończyły karierę Powella. O dziwo, nie był całkiem sam w przesuwaniu granic: Hitchcock's psychika w tym samym czasie wywoływał podobne psychoseksualne wstrząsy po drugiej stronie Stawu. Różnica? Hitch zdobył cztery Oscary i wystarczająco dużo łupów z kasy, by wypełnić motel Bates; Podglądacz grał do pustych kin. „Całkowicie zły” – urągał jeden z krytyków – i to była jedna z bardziej pozytywnych recenzji. Zaskakujące pomysły podglądającego Toma – zwłaszcza jego sugestia, że ​​publiczność była współwinna brutalnych morderstw Boehma – były po prostu zbyt trudne dla współczesnych widzów. Jak zauważa Martin Scorsese, jeden z wielkich mistrzów filmu: „Pokazuje, jak kamera narusza i agresję filmowania”. Tak jak Człowiek gryzie psa w epoce bardziej reakcyjnej mówił rzeczy, których nikt nie chciał słyszeć. Na szczęście upływ czasu był o wiele przyjemniejszy, choć wciąż nie jest to genialny film randkowy.

58. Milioner ze slumsów (2008)

W reżyserii : Danny Boyle

W roli głównej : Dev Patel, Freida Pinto, Madhur Mittal, Anil Kapoor

Sumując wszystkie wyniki, Slumdog zdobył osiem Oscarów (z dziesięciu nominacji) – w tym najlepszy film, najlepszy reżyser i najlepszy scenariusz adaptowany – a także siedem nagród BAFTA, cztery Złote Globy i cały pociąg więcej gongów w 2008 roku. kominek. Oglądając go teraz, łatwo zrozumieć, dlaczego. Wspaniałe zdjęcia Anthony'ego Doda Mantle'a sprawiają, że Indie są ich własnymi, a Jamal (Patel) i Latika (Pinto) zapewniają najsłodsze romantyczne chwile, jakie można było zobaczyć w kinach tego stulecia – w tym wspaniałą sekwencję taneczną w napisach końcowych. Niektórzy krytycy głosili, że jest to „dobre samopoczucie”, ale biorąc pod uwagę ciągłą ciemność przez cały czas (niewolnictwo dzieci, przesłuchania na baterie, handel narkotykami i przemoc, ktokolwiek?) pojawia się, nie jesteśmy pewni, skąd wpadli na ten pomysł. Mimo to pozostaje oszałamiającym, hollywoodzkim melodramatem w stylu Capra, który zdmuchnął świat i przypomniał wszystkim, jakim fantastycznym reżyserem może być Danny Boyle – jakby to było wątpliwe.

57. Nazywam się Joe (1998)

W reżyserii : Ken Loach

W roli głównej : Peter Mullan, Louise Goodall, David McKay

Inne Ken Loach kawałek niezachwianie prawdziwej analizy społecznej, kolejne arcydzieło, którego masy prawdopodobnie nie widziały. Ponownie skupiając się na dotkniętych ubóstwem jednostkach uwięzionych w systemie, Mam na imię Joe następuje Piotr Mullan Joe jest zreformowanym alkoholikiem Joe, który trenuje lokalną drużynę piłkarską na wrednych ulicach Glasgow, starając się unikać butelki i wszelkich kłopotów. Przyjazny, nawiedzony i bardziej sympatyczny niż Rocky, to oszałamiający tour-de-force od regularnego Mullana ze szkockiej sceny, całkowicie zasługujący na nagrodę dla najlepszego aktora, którą zdobył w Cannes. Ponure i tragiczne, a jednocześnie pełne nadziei, wielu będzie życzyć sobie mniej przygnębionego finału, ale takie jest zaangażowanie Loacha w realizm. I rzadko widzisz zakończenia, które są odważne na terytorium przebojów kinowych.

56. Zakochany Szekspir (1998)

W reżyserii : John Madden

W roli głównej : Joseph Fiennes, Gwyneth Paltrow, Geoffrey Rush, Ben Affleck, Judi Dench

To był film, który pokonał Szeregowiec Ryan do Oscara za najlepszy film, prawdopodobnie dlatego, że jest bardziej musujący i bardziej frywolny niż wysiłek Spielberga, na który czasami reaguje Akademia. Biopics jest pełen inwencji i mało faktów, ale jest też uroczo dowcipnym żartem literackim, przedstawiającym na nowo życie Szekspira jako, no cóż, szekspirowska komedia błędów. Scenariusz Toma Stopparda był zaśmiecony dowcipami i bezpośrednimi wyciągami z pracy Barda, podczas gdy obsada takich postaci z RSC, jak Judi Dench (tak dobra jak Elżbieta I, że jej występ dał jej Oscara) i amerykańscy nowicjusze, tacy jak wtedy… ingenue Paltrow i Ben Affleck rzucili się do kaparu. Mieszanka tragedii i komedii, może nie jest – całkiem – sztuką wysoką, ale jest to świetna zabawa.

55. Tom Jones (1963)

W reżyserii : Tony Richardson

W roli głównej : Albert Finney, Susannah York, Hugh Griffith, Edith Evans

Ruch w kierunku socrealizmu w brytyjskich filmach lat 60. nie ograniczał się tylko do współczesności; ten wysiłek Tony'ego Richardsona pokazał, że można go zastosować również do filmów z epoki, a do tego sprośnych adaptacji literackich. Albert Finney był najbardziej zarozumiały, czarujący jak tytułowy łobuz, wychowany na bękarta przez miłego szlachcica, ale zaprzeczył swojej prawdziwej miłości swoim niskim urodzeniem. Zamiast tego wdaje się w serię romansów, ścigany przez zazdrosnego rywala, aż w końcu wszystko się układa w ostatniej chwili. Jest skrupulatnie zbadany i skonstruowany, ale wszystko zrobione z tak przewiewną beztroską i polotem, postacie wchodzą nawet w interakcję z kamerą i wariują na temat stylu filmowego (na przykład ten niemy film otwierający), że wydaje się zarówno całkowicie nowoczesny (nawet teraz), jak i bardzo lat 60., zdobywając garść Oscarów za swoje kłopoty.

54. Niedziela Krwawa Niedziela (1971)

W reżyserii : John Schlesinger

W roli głównej : Peter Finch, Glenda Jackson, Głowa Murray

Kontynuacja nagrodzonego Oscarem przez Johna Schlesingera Północny kowboj to najbardziej osobisty film w karierze filmowca. Pierwszy film przedstawiający nieoceniający portret homoseksualnej postaci w roli głównej, Niedziela Krwawa Niedziela to znakomicie zbadany menaż między żydowskim lekarzem gejem Petera Fincha, doradcą zawodowym Glendy Jackson i rzeźbiarzem (Murray Head – on z Jedna noc w Bangkoku sława), którą oboje kochają. To nie jest film o seksualności (chociaż czuły pocałunek Fincha i Head wywołał wówczas poruszenie); to film o drobiazgach złożonych relacji realizowanych przez trio świetnych występów. Miej też oczy szeroko otwarte na 14-letniego Daniela Day-Lewisa w drobnej roli wandala.

53. Harry Potter i więzień Azkabanu (2004)

W reżyserii : Alfonso Cuaron

W roli głównej : Daniel Radcliffe, Emma Watson, Rupert Grint, Gary Oldman, David Thewlis, Michael Gambon

Trzeci i wciąż najlepszy z Garncarz filmy, to był ten, w którym wszystko stało się magiczne. Uwolniony od obowiązków związanych z tworzeniem świata, które Chris Columbus wziął na siebie w dwóch pierwszych filmach, Alfonso Cuarón okroił fabułę, wzmocnił nastawienie i dodał nieco ostrzejszego przebiegu. Pomaga mu również fakt, że jest to być może najlepsza z książek, podnosząca stawkę znacznie bardziej niż jakakolwiek inna pojedyncza część, wprowadzająca mile widziany element niejednoznaczności do uświęconych sal Hogwartu wraz z faktem, że zbiegły więzień może być odpowiedzialny za śmierć rodziców Harry'ego (lub, znowu, nie) i że fajny nowy nauczyciel może skrywać niebezpieczne sekrety. Filmy mogą stawać się coraz ciemniejsze, ale ten miał odpowiednią mieszankę cieni i światła.

52. 39 kroków (1935)

W reżyserii : Alfreda Hitchcocka

W roli głównej : Robert Donat, Madeleine Carroll, Peggy Ashcroft, John Laurie

Zanim Michael Balcon przewodniczył złotej erze Ealing Studios, najlepiej pamięta się go za to, że dał utalentowanemu filmowcowi ze wschodniego Londynu awans w twardym jak kostka brytyjskim przemyśle filmowym. Ten mężczyzna? Alfreda Hitchcocka. Wyprodukował wczesne garnki dla Balcon's Gainsborough Pictures w latach 20., zanim przeniósł się z Balconem przez Londyn do Lime Grove Studios, domu tego klasycznego szaleństwa. 39 kroków to kompendium klasycznych znaków towarowych Hitchcocka, od „niewłaściwego człowieka” Roberta Donata po złowrogiego MacGuffina i scenę zdenerwowaną Hitch, która uczyniłaby śmiertelnych wrogów kampanii Keep Britain Tidy. Bądź także świadkiem chemii, jaką tworzy między swoimi romantycznymi tropami – zadziorna para Donata i Carrolla przedzierają się przez szkockie Highlands i wpadają sobie w ramiona – oraz stale narastającą paranoję, gdy ten szpiegowski pierścień wykonuje swoją nikczemną pracę. Tożsamość tych szpiegów nigdy nie jest określona, ​​ale jeśli nie mają przy sobie wydań podróżnych moja walka , możesz stopić nasze twarze.

51. Wallace i Gromit w klątwie królika-wilkołaka (2005)

W reżyserii : Steve Box, Nick Park

W roli głównej : Peter Sallis, Helena Bonham Carter, Ralph Fiennes, Peter Kay

Mieliśmy nadzieję i modliliśmy się, aby magowie animacji poklatkowej Aardmana znaleźli sposób na przekształcenie naszych bohaterów z claymacji w gwiazdy filmowe. Czy naprawdę potrafią utrzymać dowcip i żywiołowość uroczego duetu Wigan przez całe półtorej godziny? Czy po drodze Wallace nie przedawkowałby sera? Nie musieliśmy się martwić. Musujące Klątwa wilkołaka pozytywnie przepełnione pomysłami i energią, olśniewające fanów filmów z przebiegłymi odniesieniami do wszystkiego, od horrorów Hammera i Niesamowity Hulk do Król Kong oraz Top Gun i biegnie jak ogar w pośpiechu. Fabuła, w której głupio myśleliśmy, że może ją zawieść, rzuca słynną, małomówną wychowankę Dogwarts i jego żmiącego się Wensleydale właściciela (Sallis) przeciwko nikczemnemu Victorowi Quartermaine (Fiennes), zabierający mutujące króliki, nagradzane szpiki i szykowny... as-biskwity Lady Tottington (Bonham Carter) na przejażdżkę. Krótko mówiąc, jest to najcudowniejsza angielska animacja, jaka istnieje.

50. Gorący Fuzz (2007)

W reżyserii : Edgar Wright

W roli głównej : Simon Pegg, Nick Frost, Jim Broadbent, Paddy Considine, Timothy Dalton, Edward Woodward

Robią dla kumpla-policjanta, co zrobili dla filmu o zombie z Wysyp żywych trupów , Rozmieszczone Twórcze trio Simona Pegga, Nicka Frosta i reżysera Edgara Wrighta nakręciło film dwa na dwa na dużym ekranie. Chociaż nie tak konsekwentnie zabawne jak Shaun lub tak olśniewająco-świeży jak Rozmieszczone , drugi w planowanej trylogii Krew i lody ponownie przywodzi na myśl gatunkowe stereotypy, ze wszystkim od Przerwa punktowa do Źli chłopcy II (oboje otwarcie przywoływane) z humorem hołduje. Początkowo jest trochę niepokojące, gdy widzi Pegga jako hetero, ale jego naturalna chemia z wieloletnim prawdziwym kumplem Frostem pozostaje ujmująca jak zawsze. Gdzie indziej Scooby Doo -spotyka się- Krzyk Tajemnica jest usiana najlepszym brytyjskim talentem, grając ze świetnym skutkiem angielskie małomiasteczkowe frazesy w genialnie nie pasującym do siebie spotkaniu sennego wiejskiego życia i brutalnej, brutalnej akcji.

49. Spójrz wstecz w gniewie (1959)

W reżyserii : Tony Richardson

W roli głównej : Richard Burton, Claire Bloom, Mary Ure, Gary Raymond

Kiedy nie wykorzystywał swojego diabelskiego uroku na Elizabeth Taylor, przesiadując w barach z Peterem O'Toole i Richardem Harrisem lub polując na rekiny gołymi rękami, Richard Burton był także wspaniałym aktorem. Oto wczesny dowód. Burton jest prawie najlepszy w melodramacie Tony'ego Richardsona jako Jimmy Porter, jazzman tkwiący w ślepej uliczce wypełnionej buntownikami brytyjskiej Nowej Fali. Podsycany płonącą furią, pasje Portera są dla ognistego Burtona tym, czym Broadsword jest dla Danny'ego Boya. Kiedy wścieka się „Nie mam żadnych skrupułów w szkole publicznej co do bicia dziewczyn” przed przebiegłą Heleną (Claire Bloom), wiesz, że to nie jest pusta groźba. on jest Tramwaj Stanley Kowalski na trzech pintach gorzkich; Derby z lat pięćdziesiątych najbardziej przypomina własny wulkan. Tak klaustrofobiczna i niewygodna jak sztuka teatralna Johna Osborne'a, na której się opiera, była to pierwsza salwa wojny klas w brytyjskim kinie.

48. Topsy Turvy (1999)

W reżyserii : Mike Leigh

W roli głównej : Jim Broadbent, Allan Corduner, Timothy Spall, Kevin McKidd, Shirley Henderson

Oto film Mike'a Leigh'a, nawet dla ludzi, którzy nie lubią filmów Mike'a Leigh'a, ultranaturalistyczny styl reżysera, złagodzony przez scenerię epoki i wzmocniony zwiększonymi emocjami jego bohaterów. Nie widać zlewu kuchennego, ponieważ Gilbert (Broadbent) i Sullivan (Corduner) współpracują, aby stworzyć inspirowaną Japonią operę komiczną The Mikado, otoczeni przez wykonawców, z których każdy ma własne nerwice i kryzysy (i którzy, nawiasem mówiąc, sami śpiewają uruchomić). Broadbent i Corduner to cudownie niedopasowana, ale wzajemnie podziwiająca para: jeden solidny człowiek rodzinny, drugi kochający dziwki narkoman. Skromny styl Leigh zapobiega popadaniu w zwykłe stereotypy z dramatu z epoki i łączy komedię i tragedię w coś, co wydaje się tak chaotyczne i piękne jak prawdziwe życie.

47. Człowiek z wikliny (1973)

W reżyserii : Robin Hardy

W roli głównej : Edward Woodward, Christopher Lee, Britt Ekland, Diane Cilento

Człowiek z wikliny nie jest przerażający w konwencjonalny sposób i prawdopodobnie jest bardziej gotycką tajemnicą niż horrorem, ale trudno byłoby znaleźć bardziej niepokojące i przerażające doświadczenie filmowe. Z pewnością jeden z najbardziej przerażających brytyjskich filmów, jakie kiedykolwiek powstały, jest coś nieskończenie niepokojącego w dziwnie uwodzicielskim kultowym chillerze Robina Hardy'ego od chwili, gdy Edward Woodward postawił stopę na odległej szkockiej wyspie. Podczas gdy jego zapięta na ostatni guzik chrześcijańska glina z kontynentu szuka rzekomo zaginionej dziewczyny, to dziwne miejsce nawiedzająco ewoluuje z małego miasteczka ekscentrycznych mieszkańców w skrywający paranoję azyl bez wyjścia. W czołówce Woodward nigdy nie był lepszy (może z wyjątkiem The Equaliser), podczas gdy nikt nie robi tak złowrogiego zagrożenia jak Christopher Lee i jego płonące oczy.

46. ​​Angielski pacjent (1996)

W reżyserii : Antoniego Minghella

W roli głównej : Ralph Fiennes, Juliette Binoche, Kirsten Scott Thomas, Willem Defoe, Naveen Andrews

Jeśli śmierć Anthony'ego Minghelli pozbawiła brytyjskie kino jednego z najbardziej olśniewających głosów, ten rozdzierający serce romans wojenny jest doskonałym świadectwem jego talentu. Zdobywca nagrody Best Picture to znakomicie oceniona adaptacja powieści Michaela Ondaatje, pełna czułości i tęsknoty. Gdy północnoafrykańskie słońce oświetla tajemniczego hrabiego Laszlo, potwornie spalonego w rozbitym dwupłatowcu Ralpha Fiennesa, wszystkie inne względy znikają poza jednym: jego zaciekłą pasją do kobiety, którą kocha. Część jego sukcesu jest zasługą gwiezdnej ekipy, którą zmontował nagrodzony Oscarem Minghella. Montaż Waltera Murcha (kolejny zdobywca Oscara) przechodzi z dramatu z Afryki Północnej do włoskich objazdów, podczas gdy zdjęcia Johna Seale'a (tak, zgadliście) dają nam jedną z najlepszych reklam Toskanii poświęconej celuloidowi. Jeśli możesz obejrzeć ten film i nie chcesz iść od razu i zacząć rozbrajać bomby, oglądałeś inny film.

45. Czarny Narcyz (1947)

W reżyserii : Michael Powell, Emeric Pressburger

W roli głównej : Deborah Kerr, Sabu, Jean Simmons, David Farrar, Flora Robson

W uznanym przez krytyków gotyckim melodramacie Archers Deborah Kerr gra Siostrę Clodagh, młodą zakonnicę wysłaną wraz z czterema innymi siostrami, by założyć klasztor w opuszczonym himalajskim pałacu. W tym momencie wszystko zaczyna się psuć. Bardzo źle. Na przykład, zakonnica-szalony-z-zazdrości-i-nakładanie-nie-zakonnicy-ilości-eyelinera źle. Zasadniczo dramat psychologiczny, Czarny Narcyz Emocjonalny rezonans w pozbawionym zakonnic współczesnym świecie może być nieco osłabiony, ale nie można zaprzeczyć jego wpływowi na współczesnych reżyserów. Scorsese na przykład wymienia go jako jeden ze swoich ulubionych filmów. Do tego dochodzi uderzająca kinematografia Jacka Cardiffa, prawdziwego wielkiego brytyjskiego kina. Błyszczące zdjęcia są szczególnie zdumiewające, jeśli weźmie się pod uwagę, że pomimo tego, że film został osadzony w Darjeeling, prawie w całości został nakręcony w Pinewood Studios. Nic więc dziwnego, że Cardiff i dyrektor artystyczny Alfred Junge zdobyli Oscary za swoją pracę. Pozostaje jedną z najlepszych produkcji Technicolor wszech czasów.

44. Seksowna bestia (2000)

W reżyserii : Jonathan Glazer

W roli głównej : Ray Winstone, Ben Kingsley, Amanda Redman, Ian McShane, James Fox

Wszyscy znamy Sir Bena Kingsleya, prawda? Mały facet, grał Gandhi , raczej wyrafinowany i dobrze wypowiadany. Cóż, już nie. W tym skręcie filmu gangsterskiego jest psychotycznym szefem gangu Don Loganem, wzywającym szczęśliwie emerytowanego Gary'ego Dove'a (Ray Winstone) z powrotem do Londynu z ostatniej pracy. Przerażająco magnetyczny, gdy jest nieruchomy, absolutnie cholernie przerażający, gdy zaczyna wypluwać wulgaryzmy i zachowywać się, to przedstawienie, które przekona cię, że ten człowiek może skłonić nawet ogromnego Winstone'a do posłuszeństwa. Trzeba przyznać, że ostatnia praca została zrobiona już wcześniej, ale charakterystyka jest tutaj tak świeża i zaskakująca – a Costa del Sol stanowi tak miłą odmianę od zwykłego ponurego nieba – że czuje się bardzo jak własną bestię.

43. Wielkie nadzieje (1946)

W reżyserii : David Lean

/W rolach głównych John Mills, Valerie Hobson, Alec Guinness, Martita Hunt

Problem z adaptacją powieści Charlesa Dickensa na ekran polega na tym, że w zasadzie zapłacił mu słowem. Powstałe w ten sposób rozległe eposy nie tworzą szczupłej, muskularnej narracji, która naturalnie nadaje się do filmu. Ale to, co jest wspaniałe w tej wersji jego bajki od szmat do bogactwa, to to, że Lean i jego koledzy scenarzyści zdołali znaleźć centralną historię – miłość Pipa (Mills) do Estelli (Hobson) – aby zawiesić film, pozostawiając wystarczająco dużo miejsca dla bardziej zapadających w pamięć postaci drugoplanowych (Miss Havisham Hunta, Jaggers Francisa L. Sullivana, Magwitch Finlaya Currie i Herbert Pocket Guinnessa). Czarno-biała fotografia jest przepiękna, niektórzy David Lean najlepiej sprawdza się przed kolorem, a historia jest na tyle wciągająca, że ​​będziesz mógł przeoczyć gigantyczne cylindry.

42. Człowiek, który spadł na ziemię (1976)

W reżyserii : Mikołaj Grecja

W roli głównej : David Bowie, Rip Torn, Candy Clark

Jeśli jesteś fanem Bowiego polującym na kolejny film z udziałem Ziggy'ego Stardust, to nie jest film, którego szukasz. Podczas gdy widowisko pełne lalek Jima Hendersona miało w swoim sercu rozrywkę, supermyślne arcydzieło Nicolasa Roega ma na celu jedynie zmuszenie mózgu do zrobienia kilku myśli na raz. Warstwy odniesień przykrywają koce metafor, czyniąc coś, co może wydawać się prostą opowieścią o „człowieku poza czasem, nie na miejscu”, w kultowy klasyk. Ale to bardzo dobra rzecz. Dając Bowie'mu piekielny trening, Roeg zabiera go przez okresy ekstazy, agonii i wszystkiego pomiędzy, zanim zostawia go załamanego, alkoholika i samotnego, milion mil od domu. Praktycznie definicja filmu, która wymaga wielokrotnego oglądania, warto zauważyć, że Niski album zawiera muzykę pierwotnie przeznaczoną do ścieżki dźwiękowej filmu, więc następnym razem, gdy ją obejrzysz, koniecznie odtwórz ją obok.

41. Potwory (2010)

W reżyserii : Gareth Edwards

W roli głównej : Scoot McNairy, Whitney Able

Większość niezależnych filmów nawet nie próbowałaby dorównać dużym zdjęciom ze studia pod względem wartości produkcji. I w większości przypadków mają rację, nie próbując. Ale brytyjski reżyser Gareth Edwards po raz pierwszy osiągnął coś zdumiewającego z Potwory . Nie tylko sam wyreżyserował, napisał, zaprojektował produkcję i nakręcił film (w plenerach w Ameryce Południowej i Środkowej), ale także wykonał efekty wizualne, tworząc potężne obce istoty tak przekonujące i imponujące, jak te, które można znaleźć w każdym Hollywood przebój. Nie żeby ktokolwiek spodziewał się, że film będzie pełnoprawnym stworzeniem; Edwards odważnym posunięciem umieszcza akcję kosmitów na Ziemi głównie w tle, koncentrując się zamiast tego na parze (Whitney Able i Scoot McNairy) zmuszonej do podróżowania przez „strefę zarażoną” obcą. Historia miłosna z filmu drogi z potworami? Dlaczego nie?

40. Pan Turner (2014)

W reżyserii : Mike Leigh

W roli głównej : Timothy Spall, Dorothy Atkinson, Marion Bailey, Lesley Manville, Martin Savage

Zapomnij o chrząkaniu, Timothy Spall wizerunek J.M.W. Turner to przedstawienie jego znakomitej kariery. Jego fizyczna ekspresja głębokiego, emocjonalnego zaplecza wielkiego malarza niesie ze sobą wiele pociągnięć nosem, pomruków i świszczących oddechów, ale tylko dodają dziwnego, bujanego uroku jego interakcjom, szczególnie z jego tatą (Paul Jesson), kochanką i gospodynią (Dorothy Atkinson). ) oraz malowanie dzikiej karty Benjamina Haydona (Martin Savage). Dwa pierwsze, które kocha; to drugie toleruje łagodnie. Delikatny, odpowiednio pomysłowy film biograficzny, który się wyłania, jest jednym z Mike Leigh najlepsze chwile.

39. Włoska robota (1969)

W reżyserii : Peter Collinson

W roli głównej : Michael Caine, Noel Coward, Benny Hill, Tony Beckley, Rossano Brazzi

Zapytaj większość miłośników filmu, z czego najbardziej pamiętają Włoska robota a słowa „korek w Turynie”, „napad”, „mini” i „ucieczka” będą na pierwszym miejscu – i słusznie. Ale powtórka z okazji Boxing Day przypomni każdemu przypadkowemu fanowi, jakim triumfem w komiksie obozowym jest ten film. Jasne, chodzi również o dumę, jaką czuje każdy Anglik, gdy Brytyjczycy wygrywają (część) dnia (w pewnym sensie), ale z postaciami takimi jak profesor Simon Peach z Benny Hill, z jego zamiłowaniem do bardzo dużych pań, i Noel Nie do końca królewski szef kryminalny Coward, pan Bridger, nie można zaprzeczyć Włoska robota Chichoty są mocno zakorzenione w pikantnych nadmorskich pocztówkach i wszystkim tym, co się dzieje. Ale to z powodu nietykalnego zespołu talentów komiksowych – w szczególności Caine’a – a także z powodu szalonych wybryków rabunkowych i „Anglia! Anglia!” fala patriotyzmu, która wybija się z tych turyńskich kanałów, nie ma możliwości, aby ktokolwiek urodzony na tej wyspie z scepterem mógł patrzeć Włoska robota bez pękania uśmiechu.

38. Zejście (2005)

W reżyserii : Neil Marshall

W roli głównej : Shauna Macdonald, Natalie Jackson Mendoza, Alex Reid, Saskia Mulder

Zawył na scenę z zaskoczenia uderzeniem wilkołaka, Psi żołnierze , ale Neil Marshall prześcignął się w tej klaustrofobicznej kontynuacji, w której sześć kobiet poholers uwięzionych w ciemności, głęboko pod ziemią. Akcja rozgrywa się w Stanach Zjednoczonych (gdzie te rzeczy częściej się zdarzają), ale kręcono ją w Pinewood i na miejscu w Szkocji. Zejście zajmuje z natury przerażające miejsce, a następnie nakłada na siebie strach w stopniu prawie nie do zniesienia. Więc chociaż będziesz krzywił się tylko na codzienne sceny z wybojami, wkrótce będziesz nostalgicznie za tymi chwilami, bełkocząc ze strachu, gdy wszystko pójdzie nie tak. Jego osiągnięciem jest nieubłagany terror, nieodpuszczanie do ostatnich chwil (w edycji amerykańskiej), a może nawet wtedy. Ostatecznie prosta koncepcja, ta jest umiejętnie wykonana, z dobrze wyważoną dynamiką postaci, która stanowi podstawę ekspertyzy Marshalla w tworzeniu horrorów.

37. 28 dni później (2002)

W reżyserii : Danny Boyle

W roli głównej : Cillian Murphy, Naomie Harris, Christopher Eccleston, Brendan Gleeson

Niezależnie od tego, czy technicznie zaklasyfikujemy to jako film o zombie, czy nazwiemy je „zainfekowanymi”, nie ma wątpliwości, że film Danny'ego Boyle'a podsycił brytyjski horror w szczególności i gatunek horroru w ogóle. Nakręcony na cyfrowym filmie, który wygląda zarówno szorstko, jak i cudownie, łącząc chwile przerażającego przerażenia z odcinkami cichego horroru na głęboko nienaturalny widok pustego Londynu, stał się nowym punktem odniesienia, inspirując wielu naśladowców, ale niewielu równych . Oko Boyle'a do talentów też się opłaca: nowicjusze Cillian Murphy i Naomie Harris przyciągają uwagę nawet w samym sercu burzy, jakkolwiek ściga ich wiele potwornych hord, podczas gdy późne pojawienie się Christophera Ecclestone'a przypomina nam, że ludzie nie muszą być zarażeni być poważnie niepokojące. Mimo to należy powtórzyć: zarażeni są naprawdę szybcy i naprawdę przerażający.

36. Jeśli... (1968)

W reżyserii : Lindsay Anderson

W roli głównej : Malcolm McDowell, David Wood, Richard Warwick, Christine Noonan

Malcolm McDowell, którego talent do wkładania przysłowiowego buta w moralną wrażliwość Wielkiej Brytanii, dał pełny głos w Mechaniczna Pomarańcza , znalazł pokrewnego ducha w staruszku ze szkoły publicznej i Brit New Wave-er Lindsay Anderson. Trzy lata przed współpracą z Kubrickem Anderson miał McDowella na dachu Cheltenham College wyposażonego w pistolet Bren i kilka poważnych problemów z tyranią życia w szkole z internatem. Tytuł prawdopodobnie sugeruje, że finał z kulami – Innego kraju spotyka się Niezniszczalni – może być jednym wielkim serowym marzeniem anarchistycznego ucznia McDowella, Micka Travisa, ale namiętny okrzyk buntu klasowego w filmie był na serio. Jedyne pytanie: jak, u licha, Anderson przekonał swoją macierzystą uczelnię, by pozwoliła mu tam kręcić? Jeśli istnieje gorsza reklama szkoły z internatem – kary cielesne, pedałowanie, klinika VD i tak dalej – na pewno jej nie widzieliśmy.

35. Ryba zwana Wanda (1988)

W reżyserii : Charles Crichton

W roli głównej : John Cleese, Jamie Lee Curtis, Kevin Kline, Michael Palin

Być może najlepsza godzina komiksu dowolnego dawnego Pythona, Ryba zwana Wanda był zbiegłym, hitem 60 milionów dolarów. Michael Palin zdobył nagrodę BAFTA, Kevin Kline Oscara i udowodnił, że reżyser, który nie pracował przez 25 lat, wciąż może wyprodukować pięciogwiazdkowy film. Pomijając nagrody i kasy, pozostaje faktem: to jest cholernie zabawne. Niektóre sceny pozostają w pamięci, zwłaszcza niegrzecznie przerwany striptiz Johna Cleese'a dla Jamiego Lee Curtisa, Michael Palin, któremu Kevin Kline wbija w nos chipsy, niefortunna śmierć pani Coady na zawał serca i, oczywiście, walec, który zakończy wszystkie walec parowy , ale jest to zunifikowana, dziwaczna, szalona całość, która sprawia, że ​​jest to pozycja obowiązkowa dla każdego fana brytyjskiej komedii. Co więcej, umożliwiło późniejszą twórczość Richarda Curtisa w Brit-comie, dowodząc, że brytyjski ekscentryzm może się sprzedawać, ożywił światowe zainteresowanie komedią Ealinga i pozwoliło na ponowne życie postaci o prawdziwym nazwisku Cary'ego Granta – nieudolnego prawnika Cleese’a, Archiego Leacha. duży ekran. Nieźle jak na jeden film, co?

34. Człowiek na wszystkie pory roku (1966)

W reżyserii : Fred Zinneman

W roli głównej : Paul Schofield, Robert Shaw, Orson Welles, Susannah York, John Hurt, Corin Redgrave, Vanessa Redgrave

Ostatnie oszczerstwa w Hilary Martell Wilk Hall niezależnie od tego, Thomas More zaprezentowany tutaj przez reżysera Freda Zinnemana, dramaturga i scenarzystę Roberta Bolta oraz aktora Paula Scofielda jest typem faceta, za którym wszyscy możemy zostać. Więcej jest na szczycie świata, przyjaciel i powiernik króla Henryka VIII, gotowy do władzy i bogactwa - ale nie może narażać własnego sumienia w pogoni za własnym interesem, więc gdy król dochodzi do rozwodu i zrywa z Church, More naraża się na niebezpieczeństwo. Struktura, budowana tak nieuchronnie z zaangażowanych osobowości i ich nieprzejednania, jest materią klasycznej tragedii i jest tu pięknie – i dowcipnie – ożywiona. Wspaniałe rzeczy z czasów, gdy dramat kostiumowy nie był jeszcze sam w sobie frazesem.

33. Zulusi (1964)

W reżyserii : Cy Endfield

W roli głównej : Michael Caine, Stanley Baker, Jack Hawkins, James Booth

Nawet po mocno wspomaganych CG, takich jak 300 lub Dwie wieże , Zulus pozostaje ostateczną bitewną historią o przewadze liczebnej. Po prawdziwym incydencie, w którym 140 nieparzystych walijskich piechurów broniło swojej odizolowanej placówki przed ponad 4000 wojownikami podczas konfliktu anglo-zuluskiego, jego wpływ zależy bezpośrednio od skali wrażeń z oglądania – więc nic innego niż płaski ekran wielkości Juggernauta robić. Z pewnością pierwsza godzina wymaga cierpliwości, ale kiedy rojący się Zulusi zaczynają atakować niekończącymi się falami, jest to poruszające, pomimo faktu, że reżyser Cy Endfield najwyraźniej lepiej radzi sobie z dramatem postaci pomiędzy atakami. Choć zwodniczo znany bardziej jako przełom dla młodego Michaela Caine'a (który gra przeciwko typowi i idzie – wzdycha! – szykownie), jest to ważny film wojenny sam w sobie i miłosny hołd dla Brytyjczyków sztywnej górnej wargi i podziwu dla słabszy.

32. Rozsądek i wrażliwość (1995)

W reżyserii : Zawietrzny

W roli głównej : Emma Thompson, Alan Rickman, Kate Winslet, Hugh Grant

We wrześniu 1995 roku, legendarna obecnie sześcioodcinkowa adaptacja BBC Duma i uprzedzenie zaczął, mocno tatuując wizerunek prawie bez koszuli i całkowicie przemoczonego pana Darcy'ego (Colin Firth) na spodzie powiek każdej brytyjskiej kobiety. Niemal brutalnie, Ang Lee spuścił ze smyczy Rozsądek i wrażliwość na publiczność upojoną Darcy kilka miesięcy później. Kinomani byli bezradni w obliczu tego glitzkreigu mania Jane Austen, ustawiając się w kolejkach, aby doświadczyć podwójnego uderzenia Hugh Granta i Alana Rickmana, którzy zakładają bryczesy i kierują się zalotami. Wiele pochwał należy przesłać w kierunku Thompson, z jej nagrodzonym Oscarem scenariuszem i delikatnie perfekcyjnym wykonaniem, które wspaniale niosą film, ale oko outsidera Lee ożywiło Austen z werwą i zrozumieniem, które większość angielskich filmowców może tylko podziwiać. Co więcej, Rozsądek i wrażliwość uczyniła także Kate Winslet możliwą do zweryfikowania gwiazdą filmową. Austen byłby dumny.

31. Spektakl (1970)

W reżyserii : Nic Roeg, Donald Cammell

W roli głównej : James Fox, Mick Jagger, Anita Pallenberg

Oprócz jednego z największych brytyjskich reżyserów, Nic Roeg ma podobny do Simona Cowella dar dostrzegania zdolności aktorskich w gwiazdach rocka. Ma zaskakująco udane zwroty od Micka Jaggera, Arta Garfunkela i Davida Bowiego (dwa razy). W przypadku Jaggera był to niemały wyczyn: jego Ned Kelly był bardziej drewniany niż salon koali, ale Rolling Stone przyspieszył w debiutanckim filmie Roega. Okej, gra gwiazdę rocka – to prawda – ale jego wychudzony, wyluzowany luz nadaje naprawdę wywrotowej jakości lizergicznemu gangsterskiemu filmowi Roega. Jego sceny seksu z Anitą Pallenberg, femme fatale, która zaszyła się w londyńskiej dziurze Turnera, nie poszły genialnie z jego kolegą z zespołu, jej ówczesnym chłopakiem Keithem Richardsem, ale ich chemia na ekranie (i poza) przyniosła elektryczność alt-gangster flick, który nie jest do końca krótki. W międzyczasie postrzępiony kaptur Jamesa Foxa jest chodzącym studium przypadku represji seksualnych i tłumionej przemocy, podczas gdy wizualne rozkwity Roega wabi nas do obskurnego świata hipsterów i heroiny późnych lat 60. Przez dziurkę od klucza .

30. Ladykillers (1955)

W reżyserii : Aleksander Mackendrick

W roli głównej : Alec Guinness, Cecil Parker, Herbert Lom, Peter Sellers, Katie Johnson

Film, który wszędzie podniósł poprzeczkę dla małych starszych pań, Ladykillers to jedna z najczarniejszych komedii w repertuarze rozkoszy Ealinga (czytaj dalej). Nietrudno zrozumieć, dlaczego, mimo wszystkich wad swojej wersji, bracia Coen próbowali ją przerobić. Jak mogli nie dać się połaskotać komedią o większej liczbie ciał niż Psycho? Z perspektywy czasu Tom Hanks, J.K. Simmons i inni nigdy nie mogli mieć nadziei, że dorównają radosnemu łomotaniu Sprzedawcom, Guinnessowi, Lomowi i ich gangowi, paradzie tożsamości nikczemnego wodewilu z wystarczającą ilością komiksu, by zresetować zegar atomowy. Załóż starą ukochaną Katie Johnson – i w pewnym momencie próbują dokładnie to zrobić – a masz przezabawnie cyniczne podejście do ludzkiej natury. W rzeczywistości jest to film tak czarny jak smoła, że ​​stanowi kolejny klasyk Alexandra Mackendricka, Słodki zapach sukcesu , wyglądają jak Kręcona Sue.

29. Kto (1969)

W reżyserii : Ken Loach

W roli głównej : David Bradley, Brian Glover, Freddie Fletcher

Wciąż najlepszy film Kena Loacha, ten pięknie oddaje relację między 15-letnim uczniem z Barnsley, Billym Casperem (David Bradley), zastraszanym i bitym w domu, ignorowanym w szkole, a pustułką, którą opiekuje się i kocha. To fantastyczna mieszanka poetyczności – operator Chris Menges pięknie obiektywizuje sekwencje Billy'ego z jego ptakiem na wrzosowiskach – i codzienności – nuda i rytmy szkolnego życia rzadko są uchwycone. Wszyscy pamiętają Briana Glovera jako sadystycznego nauczyciela sportu, który ucieka z farsowym meczem piłki nożnej, ale jest to film pełen wspaniałych występów, zwłaszcza Bradleya jako wrażliwego, wiarygodnego bohatera. Za każdym razem, gdy ktoś wali brytyjski przemysł filmowy Życie seksualne mężczyzn ziemniaka lub Rodzaje tłuszczu , dobrze jest pamiętać, że jesteśmy również zdolni do takiego wysublimowanego blasku.

28. Borat (2006)

W reżyserii : Larry Charles

/W rolach głównych: Sacha Baron Cohen, Ken Davitian, Pamela Anderson

Borat został wyprodukowany w całości przez Sachę Baron Cohen's Four By Two (przy okazji, slang rymowany z Cockney dla „Żyda”) – i łatwo zrozumieć, dlaczego. W końcu, które większe studio wyprodukowałoby film o rasistowskim, seksistowskim, zboczonym pseudokazaskim dziennikarzu, który biega po Stanach w poszukiwaniu swojej nowej żony – oczywiście Pameli Anderson – cały czas wprawiając w zakłopotanie pobliskich Amerykanów i ogólnie będąc dupkiem? Same mankini byłyby wystarczającym powodem, by go unikać, nie mówiąc już o antysemityzmie i nagich zapasach (nasze oczy! Nasze oczy!). Na szczęście dla Barona Cohena, jego absurdalnie obraźliwy humor uderzył w publiczność kinową, z ostatecznym światowym zyskiem 261 milionów dolarów z 18 milionów dolarów inwestycji. Weź tego Ali G, ty wielka korporacyjna wyprzedaży, ty.

27. Buty umarlaka (2004)

W reżyserii : Łąki Shane

W roli głównej : Paddy Considine, Toby Kebell, Stuart Wolfenden, Gary Stretch

Większość filmów z tej listy jest tutaj przede wszystkim ze względu na osobę stojącą za kamerą. W tym przypadku i bez uszczerbku dla zapewnionego kierunku Shane'a Meadowsa, oszałamiający zwrot jego gwiazdy i współscenarzysty, Paddy'ego Considine'a, zapewnił mu miejsce. Jest kręgosłupem filmu, byłym żołnierzem, który wraca do rodzinnego miasta i sprowadza świat bólu na ludzi, którzy zastraszali jego młodszego brata. Rezultatem jest coś w rodzaju Sympatii dla pana Derbyshire, brutalne, ale dziwnie współczujące spojrzenie na bezwzględną i brutalną postać, rodzaj slashera odwróconego. Prezentacja zasłużonego aktora i doskonały przykład zdolności sektora niezależnego do radzenia sobie z fabułami, których wytwórnie unikają, jest to jeden z najlepszych brytyjskich filmów od lat.

26. Płytki grób (1994)

W reżyserii : Danny Boyle

W roli głównej : Ewan McGregor, Christopher Eccleston, Kerry Fox, Keith Allen, Peter Mullan, Ken Stott

Ten thriller wywołała fala szumu, grożąc, że zasypie go proklamacjami, że nadchodzą Brytyjczycy, że Szkocja jest seksowna, że ​​ten Ewan McGregor może dobrze sobie radzić. Cóż, to wszystko prawda (z wyjątkiem tego, że Szkocja jest seksowna), ale jest coś więcej do Płytki grób niż strzał w ramię dla brytyjskiego kina. Niezwykle stylowa opowieść Danny'ego Boyle'a o martwym zasilaniu, walizce pełnej pieniędzy i szalejącej paranoi jest inspirującą mieszanką czarnej jak smoła komedii i krwawej przemocy, połączonych razem przez robiące karierę występy i zjadliwy dowcip. Trzy główne postacie, tak niedoskonałe i paskudne, są rzadkim widokiem w amerykańskim kinie – nawet w sektorze niezależnym – i są otoczone przez cholerną obsadę drugoplanową. Wiele korzysta z rodzącego się reżyserskiego talentu Boyle'a i zwycięskiego partnerstwa ze scenarzystą Johnem Hodge'em i producentem Andrew MacDonaldem. Wszechstronna alchemia, w połączeniu z inteligencją i czystym rozmachem, którą tutaj prezentujemy, sprawiają, że trzeba to zobaczyć.

25. Życie i śmierć pułkownika sterowca (1943)

W reżyserii : Michael Powell, Emeric Pressburger

W roli głównej : Roger Livesey, Deborah Kerr, Anton Walbrook

Winston Churchill nie lubił Pułkownik Sterowiec . Być może dlatego, że jego doradcy odrzucili to jako niepatriotyczne, a może dlatego, że zobaczył coś z siebie w postaci Clive'a Candy'ego. Bez względu na przyczynę, ulubiony przez wszystkich premier, który zajadał się stogiem, robił wszystko, co w jego mocy, by wstrzymać produkcję, zanim aparatczycy Ministerstwa Informacji i Biura Wojny zezwolili na to, by i tak ruszyła do przodu. To dobrze: Powell i Pressburger, założyciele wielkiego brytyjskiego domu produkcyjnego Archers Film Productions, uważają to za swoje największe dzieło. Z pewnością jest to film, z którego byli najbardziej dumni. Zajmujący się naturą patriotyzmu, esencją brytyjskości, pojęciem honoru i horrorem wojny w karierze jednego człowieka, jest to wspaniały, chwalebny film, będący lekcją poglądową w tworzeniu doskonałego – choć fikcyjnego – filmu biograficznego. Co więcej, Winston nie musiał przejmować się całym farrago cenzury: to prawdopodobnie najbardziej patriotyczny film w kolekcji DVD każdego miłośnika filmów – i dołączamy Włoska robota tutaj.

24. Księżyc (2009)

W reżyserii : Duncan Jones

W roli głównej : Sam Rockwell, Kevin Spacey

Po przetrwaniu trzech Transformatory kino, Bitwa Los Angeles oraz Zielona Latarnia , można by ci wybaczyć myślenie, że science fiction zostało pozostawione na śmierć. Ale potem przyszedł Duncan Jones Księżyc , sprytna, okrojona łamigłówka, która buduje napięcie i rozwiązuje złożone problemy filozoficzne i etyczne z kilkoma zestawami i jednym głównym wykonaniem (Sam Rockwell). Konfiguracja jest trochę Samo południe (High Moon?), przez własny remake tego filmu sci-fi Outland , ale zewnętrzne zagrożenie (nadejście „pomocy”) jest tylko tłem dla kryzysu egzystencjalnego Sama. Ostry, czysty wygląd filmu to czyste science fiction z lat 70., ale są też sprytne inwersje. Cyfrowy asystent Sama GERTY (Kevin Spacey) wydaje się złowieszczy, ale nie robi HALa. A wielki „przekręt” ujawnia się stosunkowo wcześnie. Nie chodzi tu tak bardzo o zasypanie widowni oszałamiającą rewelacją, bardziej o obserwowanie, jak postać – a raczej bohaterowie – reaguje.

23. Rebeka (1940)

W reżyserii : Alfreda Hitchcocka

W roli głównej : Laurence Olivier, Joan Fontaine, Judith Anderson, George Sanders

Technicznie rzecz biorąc, był to pierwszy amerykański film Alfreda Hitchcocka – ale ponieważ jego akcja rozgrywa się w Anglii i występuje głównie w angielskim składzie, pozwalamy na to pomimo wsparcia studia. W końcu jest to wspaniały przykład umiejętności Hitcha w staromodnym kręceniu filmów na długo przed tym, zanim stał się znany z taktyki suspensu i szoku. Co nie znaczy, że nie ma tu suspensu: gdy druga pani de Winter, potulna Joan Fontaine, ściera się ze złowrogą gospodynią, która wiecznie porównuje przybyszkę – nieprzychylnie – do swojej poprzedniczki, Rebeki. Jej daleki mąż niewiele pomaga, a zanim zdążysz powiedzieć bal przebierańców, czekają nas próby samobójcze, niewierność i zarzuty o morderstwo. Wspaniale nakręcony i pięknie wykonany, to godne pożegnanie wczesnego etapu kariery Hitchcocka.

22. Sobotnia noc i niedzielny poranek (1961)

W reżyserii : Karel Reisz

W roli głównej : Albert Finney, Shirley Anne Field, Rachel Roberts

Jeden z kluczowych filmów ruchu realistów lat 60., ten z Albertem Finneyem w roli zarozumiałego pracownika fabryki („Nie pozwól draniom cię zmiażdżyć. To jedna rzecz, której się uczysz”), która zabiega o Doreen (Shirley Anne Field) i bawi się z zamężną Brendą (Rachel Roberts). Trudno teraz ocenić jego surowość, ale wciąż jest znakomicie zagrana i przepełniona namacalną tęsknotą za lepszym życiem. Jeśli nic więcej, film wywarł ogromny wpływ na musos indie z północy; fragment z filmu – „Chcę iść tam, gdzie jest życie i są ludzie” – pojawił się w The Smiths' Jest światło, które nigdy nie gaśnie , a film zainspirował tytuł debiutu Arctic Monkeys Cokolwiek ludzie mówią, że jestem, tym nie jestem .

21. Cztery wesela i pogrzeb (1994)

Wyreżyserowane przez Mike'a Newella

W roli głównej : Hugh Grant, Andie MacDowell, Kristen Scott Thomas, Simon Callow

Cofnij się myślami do roku 1993. Hugh Grant wciąż jest „koleśkiem z tego dziwnego filmu Romana Polańskiego”; Richard Curtis jest najbardziej znany jako człowiek stojący za miażdżącymi upokorzeniami Blackaddera, ludzie nadal witali deszcz czteroliterowym słowem, a nie okazją do drwin z Andie MacDowell, i tylko najbardziej piśmienni mogli odróżnić WH Audena od WHSmith. Nie pamiętasz tego? My też. ' Cztery wesela „(ten skrót radośnie pomija fragment „pogrzeb”) jest, 22 lata później, pocieszająco brytyjską instytucją. Wiele z jego długowieczności sprowadza się do żartobliwego dialogu Curtisa, który daje nieudolnemu romantycznemu romantyzmowi Granta i nieśmiałemu outsiderowi Andie MacDowell, omamionemu i zdumionemu w równym stopniu, wystarczająco złota, by oczarować nawet najbardziej granitowe serce. To istne danie Petriego z brytyjskimi osobliwościami i humorem („Mówisz mi, że nie znam własnego brata!”), z domieszką delikatnie drażniącej satyry na dokładkę. Jeśli jakiś kosmita poprosi cię o wyjaśnienie, jak postrzega siebie angielska klasa średnia, pokaż mu to. Następnie idź po pomoc.

20. Sprawa życia i śmierci (1946)

W reżyserii : Michael Powell, Emeric Pressburger

W roli głównej : David Niven, Kim Hunter, Raymond Massey, Marius Goring, Roger Livesey

Jeśli się nad tym zastanowić, jest to bardzo dziwna mieszanka tematów. Pilot z czasów II wojny światowej zostaje zestrzelony nad kanałem w mglistą noc – ale we mgle jego dusza nie zostaje zebrana od razu, co prowadzi go do wyrzucenia na brzeg i zakochania się w radiooperatorze, który był jego ostatnim kontaktem, przed -rozbić się. Jest wtedy zasadniczo wystawiony na próbę o swoje życie, z niebem z jednej strony zatroskanym, że jest przeznaczony na śmierć, ale z drugiej zmuszony do rozważenia nowego elementu, że się zakochał. Mamy więc romans, metafizykę, biurokratyczne pomyłki i wojnę, a także odrobinę ping-ponga na dokładkę – nie jest to typowy hit kinowy. Mimo to, dzięki pewnemu dotykowi pisarzy-reżyserów i nie-więcej-angielskiej, nigdy bardziej sympatycznej osobowości Davida Nivena, jest to niezapomniana inna wojenne łkanie.

19. Długi Wielki Piątek (1980)

W reżyserii : John Mackenzie

W roli głównej : Bob Hoskins, Helen Mirren, Derek Thompson, Bryan Marshall, Eddie Constantine

Na długo przed przybyciem Guya Ritchie i Jason Statham, John Mackenzie wysoko postawił poprzeczkę brytyjskim filmom gangsterskim z surowym i wciąż wpływowym Długi Wielki Piątek . Jasne, jest przestarzały, ale jest tam mnóstwo pamiętnych sekwencji (w tym niesławne przesłuchanie w kształcie haka do mięsa), niemożliwie chwytliwa partytura saksofonowa i najbardziej słony, dziwaczny dialog po tej stronie Michaela Caine'a („Śpiący partner to jedno – ale jesteś w pieprzonej śpiączce!'). Jako król East End, którego imperium szybko się rozpada, Bob Hoskins daje niesamowity występ (sprawdź jego bezsłowną scenę końcową), podczas gdy młoda Helen Mirren błyszczy jako seksowna femme fatale, a wsparcie jest zaśmiecone znajomymi twarzami (w tym Pierce Brosnan, kilku stałych bywalców Ritchie i Charlie z Wypadek ). Wyprodukowany za marne 930 000 funtów (w dzisiejszych czasach nie do pomyślenia), brakuje mu blasku dzisiejszych naśladowców, ale w każdym innym dziale to ich poraża.

18. Monty Python i Święty Graal (1975)

W reżyserii : Terry Gilliam, Terry Jones

W roli głównej : Graham Chapman, John Cleese, Terry Jones, Michael Palin, Eric Idle

Pierwszy film narracyjny (ish) Monty Pythona może nie mieć ugryzienia Briana, ale jest tak inspirującym kawałkiem głupoty, że rozśmieszyłby kamień. Czerpiący inspirację z legend arturiańskich, ale pełen komentarzy społecznych (lub przynajmniej komedii), anachronicznych akcentów i surrealistycznych przerywników, jest to prawdopodobnie najbardziej cytowany i cytowany film na całej liście, a także zasługuje na nasze podziękowania za uratowanie grupy po tym, jak prawie wypalił się po trzech serialach telewizyjnych i nieudanym „A teraz na coś zupełnie innego”. Od zarośli po rodziców pachnących bzem, po rany na ciele i kobiety, które ważą więcej niż kaczki, tu jest całe ludzkie życie - o ile jest, jak same pytony, jednocześnie niezwykle głupie i bardzo, bardzo mądre. Elvis zamówił grafikę tego klasyka komedii i obejrzał go pięć razy. Jeśli to wystarczy królowi, to wystarczy tobie.

17. Billy Elliot (2000)

W reżyserii : Stephen Daldry

W roli głównej : Jamie Bell, Julie Walters, Gary Lewis, Jamie Draven

To, co sprawiło, że ten dramat o dojrzewaniu był tak świeży, to nie tylko odświeżająco nieoczywista mieszanka tematów, ale zręczność, z jaką zostały one połączone. Tłem jest niszczycielski strajk górników z 1984 roku, ale na pierwszym planie widać 11-letniego chłopca, który chce nauczyć się baletu. Problemy, z którymi się boryka, są ogromne: pieniądze, klasa (nawet jeśli to trochę przesadzone na scenie przesłuchań) i całkowity brak doświadczenia w jego mieście z chłopcami, którzy lubią balet. Nauczycielka, pani Wilkinson (Julie Walters), niemal musi tłumaczyć między światem baletu a światem górników. W końcu jednak wzajemne zaskoczenie Billy'ego i jego szorstkiego ojca oraz prawdziwa miłość, która ujawnia się pod spodem, są kluczem do tego, aby wzbić się jeszcze wyżej niż ostatnie odrzutowce.

16. Złoty palec (1963)

W reżyserii : Guy Hamilton

W roli głównej : Sean Connery, Honor Blackman, Gert Frobe, Shirley Eaton, Harold Sakata, Bernard Lee, Lois Maxwell, Desmond Llewelyn

Dla wielu z nas Złoty palec to wciąż kwintesencja doświadczenia Jamesa Bonda. Zajmując idealny środek między dwiema bardziej realistycznymi pierwszymi częściami i coraz bardziej fantastyczną późniejszą Connerys, trzeci 007 osiągnął idealną równowagę formuły Bondiana. Biorąc to, co widzowie już pokochali (Sean, dziewczyny, szpiegowanie, egzotyczne lokalizacje) i nasycając nowe składniki (melodia muzyki pop, niepowiązana sekwencja przed napisami, zrzęda Q), szablon stał się tutaj punktem odniesienia i jest wybrzuszony kultowymi elementami. Connery na swoim męskim szczycie, Aston Martin z fotelem katapultowanym, Shirley Eaton pokryta złotą farbą, genialny smoking pod kombinezonem otwierającym kombinezon, często cytowana wymiana wiązki laserowej („Czy oczekujesz, że porozmawiam?” „Nie, panie Bond, spodziewam się, że umrzesz!”), znakomicie nazwany Pussy Galore, groźnym złoczyńcą, który może wygrać – to Bond (i Wielka Brytania) w najlepszym wydaniu. Czy spodziewamy się, że Ci się spodoba? Nie, spodziewamy się, że to pokochasz.

15. Most na rzece Kwai (1957)

W reżyserii : David Lean

W roli głównej : William Holden, Alec Guinness, Jack Hawkins, Sessue Hayakawa

Niemożliwe do opisania słowem „epicka”, David Lean Słusznie przyjęty dramat o budowaniu mostów z czasów II wojny światowej jest wspaniały, pełen spektakli i, cóż, epicki. Pomimo tego, że nie ma prawie żadnej rzeczywistej wojny i może pochwalić się czasem pracy, który zdrętwiałby ci tyłek jak wędrówka na wielbłądach przez szerokoekranową wersję Arabii Lean, ten magnes-nagroda jest jak kamień zimny (a może to być upalny gorący?) Klasyk. Jest tu bujna kinematografia i pierwszorzędna obsada, ale to podstawowa psychologiczna podróż postaci uparcie wyzywającego i niestrudzonego pułkownika Nicholsona Aleca Guinnessa zostaje z tobą. Zdeterminowany, by znaleźć sposób, by utrzymać swoich ludzi razem i podnieść morale, rzuca się na robotę przy budowie mostu, której przypisuje im się jako środek do jego celu – zapominając, przynajmniej na chwilę, o pomocy, jakiej udziela wrogowi. Jego ostateczne uświadomienie sobie swojego błędu jest niezapomniane. To i zaraźliwy, teraz niesławny gwizdek „Pułkownik Bogey March” (ten często używany do „Hitler, ma tylko jeden…”).

14. Trzeci człowiek (1949)

W reżyserii : Carol Reed

W roli głównej : Orson Welles, Joseph Cotten, Alida Valli, Trevor Howard

Brytyjski noir w najlepszym wydaniu, klasyk Carol Reed jest uwielbiany za wiele rzeczy. Jest tu chwalona kinematografia Roberta Kraskera, mistrzowskie lekcje światłocienia, pełne kątów i cieni, które wręcz proszą się o wypełnienie złoczyńcami; charakterystyczny dźwięk cytry Antona Karasa; a zasypany gruzami weteran wojny w podziemiach Reed świetnie tłumaczy z thrillera Grahama Greene'a. Jest też często cytowany diss o Szwajcarach, zegary z kukułką i tak dalej. Nad tym wszystkim góruje jednak Harry Lime (Orson Welles), złoczyńca od wieków i mroczne serce filmu Reeda. Tam, gdzie spustoszeni wojną Wiedeńczycy widzą smutek, Lime dostrzega okazję: jest w zasadzie prototypem dla wielu menedżerów funduszy hedgingowych. Choć jest najbardziej odrażającym złoczyńcą po tej stronie Pinkie z Brighton Rock, brytyjskie kino byłoby bez niego znacznie gorszym miejscem. Musi jednak dopracować się swojej horologii: to Niemcy wynaleźli zegar z kukułką.

13. Odległe głosy, martwe natury (1988)

W reżyserii : Terence Davies

W roli głównej : Freda Dowie, Pete Postlethwaite, Angela Walsh, Dean Williams

Wyrwany z własnego dzieciństwa dorastającego w Liverpoolu w latach 40. i 50., Terence Davies brutalny, ale poetycki film fabularny jest nie tyle filmem, co sfilmowanym wspomnieniem. Pierwsza, trudniejsza część, Odległe głosy, przedstawia życie w czasie wojny i rządy terroru ojca Daviesa - znakomicie zrealizowanego przez Pete'a Postlethwaite'a - zadanego rodzinie, podczas gdy druga Martwa natura przedstawia szczęśliwsze życie jego stoickiej matki (Freda Dowie) i siostra Eileen (Angela Walsh), której małżeństwo jest powiewem świeżego powietrza w domu Daviesów. Może to zabrzmieć jak telenowela, ale Davies przedstawia wzloty (śluby, pub śpiewają piosenki) i upadki (przemoc domowa, zmiażdżone nadzieje) codziennego życia w pięknych ujęć śledzących i inspirujących wyborach muzycznych, które nie mogą być dalej od kuchni zlew. To trudny zegarek – zwłaszcza jeśli zostałeś odstawiony od konwencjonalnego opowiadania historii – ale na tej liście nie ma bardziej osobistego, bardziej oszałamiającego wizualnie, bardziej poruszającego filmu.

12. To jest Anglia (2005)

W reżyserii : Łąki Shane

W roli głównej : Thomas Turgoose, Stephen Graham, Jo Hartley, Andrew Shim

Z pierwszych czołówek klasyki ska Toots & The Maytals 54-46 (to mój numer) , rytmicznie zsynchronizowane z paradą tożsamości bohaterów i złoczyńców z czasów Falklandów, było poczucie, że Shane Meadows zamierza dostarczyć film, który będzie zgodny z tytułem misji. I tak się okazało, nawet jeśli certyfikat BBFC w postaci drakońskiej 18 oznaczał, że ludzie, do których był skierowany, w rzeczywistości go nie widzieli. Osadzone w odludziach Nottinghamshire, To jest Anglia to kawałek brytyjskiego realizmu z własną energią, film z poważnym ogniem w brzuchu. Źródło jego zapału, Łąki, na palcach między brutalnością a czułością, z opanowaniem tancerza – choć tancerki, która wygląda trochę jak rekwizyt do przodu. To święto przyjaźni, list miłosny do młodzieńczych lat reżysera (Shaun zastępcy młodego Meadowsa Thomasa Turgoose) i wielki stary znak „V” dla Frontu Narodowego. Zrodził również wspaniały program telewizyjny w kształcie kanału 4 To jest Anglia seria spin-off. Całkiem nieźle jak na samozwańczy „kultowy” film.

11. Mechaniczna pomarańcza (1971)

W reżyserii : Stanley Kubrick

W roli głównej : Malcolm McDowell, Godfrey Quigley, Anthony Sharp, Patrick Magee, Warren Clarke

Malcolm McDowell zawsze twierdził, że podczas robienia Mechaniczna Pomarańcza miał wrażenie, że to komedia. Jak powiedziałby Hans Gruber: 'Ho... ho... ho'. Po premierze w 1971 roku, pośród huraganu kontrowersji, który ostatecznie doprowadził Stanleya Kubricka do wycofania swojego filmu z kin, taki komentarz byłby Codzienna poczta czytelnicy bełkoczący do porannej herbaty. Teraz jednak wydaje się to w jakiś sposób trafne: 20-minutowe szaleństwo kumpli, „rehabilitacja” Alexa i rekrutacja jego przyjaciół do policji itd. są na swój własny mroczny i pokręcony sposób, niezwykle zabawne. Ale, co ważniejsze, są również drżące z drżeniem ramion. Do dziś nie można zaprzeczyć jego wpływowi na widza po raz pierwszy. Tutaj, miłośnicy filmów, odbywa się przyspieszony kurs humanizmu (obejmujący masywne wibratory, orgie i pranie mózgu), który mógł zapewnić tylko Kubrick.

10. Paznokieć i ja (1987)

W reżyserii : Bruce Robinson

W roli głównej : Richard E. Grant, Paul McGann, Richard Griffiths, Michael Elphick

Kolejny wpis z brytyjskiego domu mini-produkcyjnego Handmade, to jedno z tych arcydzieł, które prawie się nie wydarzyły. Producent Denis O'Brien nienawidził pierwszych pośpiechów i groził zwolnieniem scenarzysty/reżysera Bruce'a Robinsona – który zrezygnował już raz przed obiadem pierwszego dnia. A jednak jakoś wszyscy z nich wytrwali jak aktor alkoholik z determinacją szukający kolejnego kielicha i wszystko się udało. Film jest prawdopodobnie jednym z najlepszych scenariuszy na stronie, jakie kiedykolwiek napisano, ożywionym dzięki niecodziennym występom i dyskretnemu stylowi, o którym mainstream po prostu nie marzył. Niestety duża część jego popularności przypadła na społeczność studencką, która skupia się na intensywnym piciu i nadal wierzy, że niekończące się cytowanie wersów (często niepoprawnie) sprawi, że będą tak zabawne, jak tytułowe postacie, ale nie pozwól, aby zepsuło to geniusz .

9. Lokalny bohater (1983)

W reżyserii : Bill Forsyth

W roli głównej : Peter Riegert, Peter Capaldi, Burt Lancaster, Dennis Lawson, Jenny Seagrove

Wszyscy wiemy, co się dzieje, gdy Wielki Biznes próbuje wbić się w małe miasteczko, prawda? Spotykają się z powszechną wrogością i wyrzucają im na ucho – lub w tym przypadku nie do końca. Z pewnością potentat Burt Lancaster ma plany na małą szkocką wioskę Ferness i wysyła tam swojego agenta, „Maca” MacIntyre'a (Riegert), aby przypieczętował transakcję, i na pewno sprawy nie idą gładko, ale jest tu niewiele wrogości i nie ma prawdziwego konfliktu . Mac stopniowo wraca do wolniejszego stylu życia w wiosce, nawet gdy wieśniacy rzucają się na pieniądze, które powinny popłynąć z zakupów ropy – a jeśli coś nie pójdzie tak, jak planowali, cóż, wszystko dobrze, co się dobrze kończy. Pięknie nakręcony i mieszający w równym stopniu fantazję i bezkompromisowy realizm, jest to najbardziej przyjemny film, jaki kiedykolwiek zawierał (dosłowny) bojler.

8. Wypatrywanie pociągów (1996)

W reżyserii : Danny Boyle

W roli głównej : Ewan McGregor, Robert Carlyle, Jonny Lee Miller, Ewen Bremner, Kevin McKidd, Kelly Macdonald

Wykrywanie pociągów nie tyle ożywiło brytyjskie kino, ile podsyciło jego żyłkę filmową heroiną. Adaptując kultową powieść Irvine'a Welsha, reżyser Danny Boyle ponownie połączył siły ze zwycięskim talentem kreatywnym stojącym za Shallow Grave (producent Andrew Macdonald, scenarzysta John Hodge), czego rezultatem jest kolejna nietypowa gorączka mrocznego, orgazmicznego kina. Ignorowanie tabloidowych argumentów o tym, czy film gloryfikuje zażywanie narkotyków, czy nie (tak nie jest), paskudny obraz subkultury edynburskich ćpunów po prostu nie powinien być tak przyjemny. Ale łącząc szalenie pomysłowy styl (Rentona zanurza się w najbrudniejszej toalecie w Szkocji) z naturalistycznym, ale dowcipnym dialogiem, niemożliwie ikoniczną ścieżką dźwiękową, naprawdę niepokojącymi obrazami (dziecko, ktokolwiek?) i, hm, Dale Winton, przemówił do… generacja chemiczna lat 90. Od szalejącego psychopaty Roberta Carlyle'a po wielbiciela Connery'ego Jonny'ego Lee Millera, jest również pełen niezapomnianych, godnych cytatu postaci, podczas gdy Mark Renton pozostaje przedstawieniem kariery Ewana McGregora.

7. Dobre serca i korony (1948)

W reżyserii : Robert Hamer

W roli głównej : Dennis Price, Alec Guinness, Joan Greenwood, Valerie Hobson

Przeszywająca satyra klasowa, przezabawna farsa, komedia o najgłębszej czerni, to klejnot w błyszczącej koronie Ealing Studios. Och, może to być amoralne i całkowicie niegrzeczne, ale to tylko dodaje uroku tej opowieści, w której zubożały odłam szlacheckiej rodziny, Louis Mazzini (Price) morduje jego krewnych (wszystkich granych przez Guinnessa) w drodze do tytułu . Price jest nieprawdopodobnie gotowy do głównej roli, ale to Guinness przyciągnął najwięcej uwagi w serii szlachetnych zwrotów, które biegną od gamutu do mglistego przez sufrażystę. Z Wildeańskim głosem ociekającym bon motami („Tak trudno jest zrobić schludną robotę z zabijaniem ludzi, z którymi nie jest się w przyjaznych stosunkach”) i całkowitym złoczyńcą jako bohaterem, nie jest to aż tak miłe, jak mówić, Paszport do Pimlico lub Bogactwo whisky! , ale to szalenie zabawna aberracja dla studia.

6. Shaun umarłych (2004)

W reżyserii : Edgar Wright

W roli głównej : Simon Pegg, Kate Ashfield, Lucy Davis, Nick Frost, Dylan Moran, Bill Nighy

Na Wysyp żywych trupów wielkie, piękne serce, jest jeden prosty żart: współcześni Londyńczycy zachowują się jak zombie, więc co z tego, że nastąpiła prawdziwa apokalipsa zombie? Czy wszyscy jeżdżący metrem, drapiący się w tyłki dojeżdżający do pracy w ogóle to zauważą? Przeniesiony na ekran przez Trójcę Świętą Komediową, czyli Simona Pegga, Nicka Frosta i Edgara Wrighta, to arcydzieło, właśnie tam z Martwe zło II jako jeden z najlepszych horrorów/komedii, jakie kiedykolwiek powstały. To film tak dobry, że nawet jeśli nie lubisz horroru, pokochasz ten film. To film tak dobry, że nawet jeśli ci się nie podoba Rozmieszczone ekipa, kochasz ten film. To wszystko dlatego, że zostało napisane, wyprodukowane i zagrane z taką pasją, energią i czystym, nieskażonym urokiem, że nie sposób nie cieszyć się nim. Bez względu na to, jakie wspaniałe czyny trio dokona w przyszłości, mamy podejrzenie, że Wysyp żywych trupów pozostanie ulubieńcem wielu ludzi.

5. Krótkie spotkanie (1945)

W reżyserii : David Lean

W roli głównej : Celia Johnson, Trevor Howard, Stanley Holloway, Joyce Carey

Być może najwspanialszy płacz, jaki kiedykolwiek powstał, gwarantuje, że każda sztywna górna warga trochę się poruszy. Johnson to Laura, gospodyni domowa, która nawiązuje niewinną przyjaźń z Alexem Trevora Howarda, lekarzem, którego spotyka w mieście podczas cotygodniowej wyprawy na zakupy. Ale przyjaźń zamienia się w coś więcej i zanim zdążysz powiedzieć herbatę i bułeczki, ta pełna szacunku, raczej stateczna para rozważa wyrzucenie tego wszystkiego w imię miłości. Dowód na to, że głębokie studnie ludzkich emocji istnieją nawet pod najbardziej ciasno zapiętym swetrem, ma mocne pretensje do bycia najbardziej angielskim filmem, jaki kiedykolwiek nakręcono (wraz z To jest Anglia , oczywiście) - chwaląc się niekończącymi się filiżankami herbaty i wizytą w Butach na dokładkę.

4. Nie patrz teraz (1973)

W reżyserii : Mikołaj Grecja

W roli głównej : Julie Christie, Donald Sutherland

Z najsłynniejszym krasnoludem po tej stronie Thorina Dębowej Tarczy, głęboko przejmującymi zwrotami od Donalda Sutherlanda i Julie Christie oraz ze słynną sceną seksu „czy-oni-nie-oni” (nie zrobili), to wielkie arcydzieło Nica Roega powoli przeniknęło do Brytyjska tradycja filmowa. Pełno w nim niezatartych chwil – niewidomy widzący w restauracji; rozbijające się rusztowanie; krwawy punkt kulminacyjny – i emanuje wilgotnym zagrożeniem, które otacza cię jak wenecka mgła. Wiele wiernie pochodzi z kart opowiadania Daphne Du Maurier. Jest jednak jedna mała, ale kluczowa zmiana: córka Baxterów nie umiera na zapalenie opon mózgowych, ale tonie pod własnym nosem, dodając poczucie winy do zamieszania w żałobnej parze. Umiejętność Roega w budowaniu atmosfery i manipulowaniu chronologią, tak innowacyjna jak na tamte czasy, sprawia, że ​​jest to jeden z najbardziej wpływowych filmów w kinie. Zapytaj Stevena Soderbergha, Christophera Nolana lub Danny'ego Boyle'a.

3. Czerwone buty (1948)

W reżyserii : Michael Powell, Emeric Pressburger

W roli głównej : Moira Shearer, Anton Walbrook, Marius Goring

Jest powód, dla którego większość recenzji Czarny łabędź nawiązał do tego powojennego klasyka Powella i Pressburgera: jest to definitywny film o balecie, który odkrywa, że ​​zderza się życie ze sztuką. Nakręcona w technikolorze, aby te czerwone buty ożyły, Moira Shearer gra namiętną młodą baletnicę z idealną mieszanką pasji i obsesji. Jest gotowa poświęcić wszystko, by tańczyć – przynajmniej na początku i to jest coś, co Svengali Lermontow (Walbrook) wykorzystuje bezwzględnie, popychając ją w kierunku sławy, ale nie chce zaakceptować niczego, co zagraża jej jednomyślności. Więc ucieka młodego kompozytora Juliana (Goring), aby utrzymać ją w biznesie – ale czy ludzkie emocje można tak łatwo kontrolować? Scena jest przygotowana na jakiś rodzaj wybuchowego rezultatu, chociaż nawet ci, którzy przeczytali mroczną i raczej pokręconą historię Hansa Christiana Andersona, która ją zainspirowała, będą zszokowani jej przebiegiem. Może jest melodramatyczny, ale jest świetlnie nakręcony i ma wystarczająco złowrogie ostrze, by podważyć wszelkie oskarżenia o dziewczęcość.

2. Życie Briana Monty Pythona (1979)

W reżyserii : Terry Jones

W roli głównej : Graham Chapman, John Cleese, Eric Idle, Terry Jones, Michael Palin, Terry Gilliam

Większość z nas zna już genezę drugiego właściwego filmu Pythona – na konferencji prasowej Eric Idle ze śmiechem zasugerował, że ich następnym projektem będzie „Jesus Christ: Lust For Glory”. To, co w końcu wymyślili, było znacznie lepsze – niezrównana satyra na religię i prawdopodobnie najzabawniejszy film, jaki kiedykolwiek nakręcono. Problem polegał na tym, że nikt w branży filmowej nie miał odwagi, żeby to zrobić. Już z początkowej sekwencji (pierwszy żart to bzdura) widać, że będzie to Python na najwyższym poziomie, ale to spójność fabuły sprawia, że ​​wszystko działa tak dobrze. Posyłając nie Chrystusa (który jest, technicznie rzecz biorąc, traktowany z szacunkiem i trzymany na dystans), ale wszystkich drobnych, politycznych, oportunistycznych fanatyków wokół niego, trupa w końcu znalazła w swoim temacie pomysł wystarczająco dojrzały do ​​ośmieszenia aby dostosować się do ich szybkiego tempa kneblowania i szerokości stylu. Oczywiście Brian nie jest Mesjaszem (to byłby chłopiec z ulicy), ale próbujesz im to powiedzieć – i finansistom – to. Wchodzić Apergo ulubiony Beatles i kamień węgielny brytyjskiego przemysłu filmowego na następną dekadę, George Harrison (i jego pieniądze), a reszta to już historia. Tworzenie ręcznie robionych filmów. Wrzawa. Skandal. Cenzura. Geniusz.

1. Lawrence z Arabii (1962)

W reżyserii : David Lean

W roli głównej : Peter O'Toole, Alec Guinness, Anthony Quinn, Jack Hawkins, Omar Sharif

Pozbądź się jego skali i wielkości i Lawrence z Arabii wydaje się być rodzajem opowieści od szmat do bogactwa, która kosztuje w kinie dwa szylingi: zwykłym człowiekiem otrząsającym się z przeciętności, by odpowiedzieć na wezwanie wielkości. To Rocky w beduińskich szatach. Tyle że oczywiście chodzi o znacznie więcej. Ponad trzy i trochę godzin David Lean daje nam portret człowieka pełnego sprzeczności, zalanego wątpliwościami i najeżonego tyloma ograniczeniami, że Freud dostał migreny. Poprzez swoją legendarną podróż Piotr O'Toole T.E. Lawrence w jakiś sposób jednoczy arabskie plemiona i prowadzi je przez Akabę i splamioną krwią ścieżką do państwowości. Jeśli „El-Aurens” jest na tyle złożony, że można go porównywać z Charlesem Fosterem Kane'em czy Michaelem Corleone, jego partner, ogromna i wspaniała arabska pustynia, w pełni zasługuje na drugie rozliczenie. Uchwycony we wszystkich swoich szerokich ekranach przez kamery Freddiego Younga i dodany głosowi przez poruszającą partyturę Maurice'a Jarre'a, jest przyjacielem, wrogiem, pocieszeniem i nieprzejednanym obserwatorem w jednym; epickie płótno, na którym Lean maluje epicki obraz.

Jeśli przeczytałeś całą listę, mamy dla Ciebie znacznie więcej dobroci. Co powiesz na listę najlepsze filmy na Netflix UK ? A może nasz najnowszy przykład 100 najlepszych filmów . Nie zignorowaliśmy też reszty globu – znajdź naszą listę 100 najlepszych filmów światowego kina . Wreszcie mamy nasza lista 100 najlepszych filmów XXI wieku . Cieszyć się!